Spora09. Open Lab en Arte Interactivo con Konic thtr y 12 obras de Arte Efímero.
Spora. II Bienal de Arte Internacional de Arte Efímero ha cerrado su convocatoria de proyectos con 63 trabajos de 10 países en los ámbitos del Arte y Naturaleza y Arte y NN TT. Se han seleccionado 10 proyectos que, junto a las obras de dos artistas invitados y un Open Lab a cargo de Konic thtr, conforman esta Spora09, que se celebra del 15 al 20 de diciembre en Granada. Las obras se expondrán en calles y edificios emblemáticos del eje que une el Sacromonte y el Parque de las Ciencias.
El próximo 15 de diciembre arranca en Granada la segunda edición de Spora. Bienal Internacional de Arte Efímero. Durante cinco días, en un eje que transcurre desde una de las zonas más tradicionales de la ciudad como es el Sacromonte, pasa por el centro histórico y finaliza en la zona más moderna urbanísticamente, como es el área de los museos que acoge el Parque de las Ciencias y el Museo de la Memoria de Andalucía, la ciudad se verá salpicada por la obra de 13 artistas o colectivos que mostrarán a la sociedad el cómo y el porqué de sus obras. Éstos quedan expuestos durante todo el proceso de creación a la participación, colaboración o, por qué no, las dudas de quienes recorren la muestra.
La artista Hee Sook Lee Niinioja e Isidro López Aparicio son los artistas invitados en esta edición junto a Kónic thtr, una plataforma artística dedicada a la creación contemporánea en la confluencia de arte, ciencia y nuevas tecnologías. Kónic dirigirá El cuerpo expandido, un Open Lab de Arte interactivo orientado a Escena Aumentada en el que participará un grupo de 12 profesionales andaluces de disciplinas como Bellas Artes, Música Electrónica, Danza Contemporánea, Informática, Electrónica, Comunicación Audiovisual, Iluminación o Arquitectura. Los colectivos DESEda y Adeio y los artistas Daniel Rojas, Alfonso Borragán, Fernando Ahumada (España), Larry Cressman (EEUU), Trish Scott (Gran Bretaña), Lucía Madriz (Costa Rica), Elisabeth Lumme (Alemania) y Pénélope Hauserman (Francia) han sido los artistas seleccionados en la convocatoria de proyectos.
más inf
jueves, diciembre 10, 2009
viernes, noviembre 27, 2009
El genio de las cosas
Del 27 de noviembre de 2009 al 31 de enero de 2010
Sales d’exposiciones de Can Palauet. Mataró
Inauguración: viernes 27 de noviembre, a las 20 h
Artistas: Oscar Abril Ascaso, Kim Adams, Azúamoliné, David Bestué / Marc Vives, Luís Gárciga, Joan López Lloret, Ricard Marxer Piñón, Enric Maurí, MINIM++ (Motoshi Chikamori & Kyoto kunoh), Jordi Mediano, John Word & Paul Harrisson. Comisaria de la exposición: Rosa Pera.
http://www.diba.es/oda/elgenidelescoses.asp
Tomando la cotidianidad como territorio que hace falta activar, «El geni de les coses» presenta varias maneras de observar, de interrogar y actuar sobre este escenario, con la energía de aquello más próximo, accesible y simple: los objetos y el espacio. Mediante la exploración del sistema de los objetos y el grado de pertenencia a este sistema, se propone abordar temas como la gestión de la memoria, la subsistencia creativa, el poder del gesto o el alcance de la mirada detenida, todo asumiendo la importancia de mantener un cierto espíritu de humor y voluntad económica con todas las consecuencias.
¿QUÉ OCULTAN LOS OBJETOS QUE NOS RODEAN?
¿QUÉ TIPO DE RELACIONES PODEMOS ESTABLECER?
¿CUAL PUEDE SER EL ACTO CREATIVO MÍNIMO?
¿PUEDE LA IMAGINACIÓN SER UNA HERRAMIENTA DE SUBSISTENCIA?
¿ES LA MEMORIA EL ALMA DE LOS OBJETOS?
¿HACE FALTA PRESERVARLA? CON QUÉ FINALIDAD?
«El geni de les coses» quiere evocar que el arte puede ir más allá de la representación e imbricarse en la vida, y ser una potente herramienta de aumento de imaginarios colectivos, situaciones frágiles y mensajes urgentes. Estas once propuestas artísticas invitan a descodificarlos y a actuar desde la simplicidad, con los elementos mínimos, pero con toda la energía que requieren las situaciones complejas, como la vida misma.
Sales d’exposiciones de Can Palauet. Mataró
Inauguración: viernes 27 de noviembre, a las 20 h
Artistas: Oscar Abril Ascaso, Kim Adams, Azúamoliné, David Bestué / Marc Vives, Luís Gárciga, Joan López Lloret, Ricard Marxer Piñón, Enric Maurí, MINIM++ (Motoshi Chikamori & Kyoto kunoh), Jordi Mediano, John Word & Paul Harrisson. Comisaria de la exposición: Rosa Pera.
http://www.diba.es/oda/elgenidelescoses.asp
Tomando la cotidianidad como territorio que hace falta activar, «El geni de les coses» presenta varias maneras de observar, de interrogar y actuar sobre este escenario, con la energía de aquello más próximo, accesible y simple: los objetos y el espacio. Mediante la exploración del sistema de los objetos y el grado de pertenencia a este sistema, se propone abordar temas como la gestión de la memoria, la subsistencia creativa, el poder del gesto o el alcance de la mirada detenida, todo asumiendo la importancia de mantener un cierto espíritu de humor y voluntad económica con todas las consecuencias.
¿QUÉ OCULTAN LOS OBJETOS QUE NOS RODEAN?
¿QUÉ TIPO DE RELACIONES PODEMOS ESTABLECER?
¿CUAL PUEDE SER EL ACTO CREATIVO MÍNIMO?
¿PUEDE LA IMAGINACIÓN SER UNA HERRAMIENTA DE SUBSISTENCIA?
¿ES LA MEMORIA EL ALMA DE LOS OBJETOS?
¿HACE FALTA PRESERVARLA? CON QUÉ FINALIDAD?
«El geni de les coses» quiere evocar que el arte puede ir más allá de la representación e imbricarse en la vida, y ser una potente herramienta de aumento de imaginarios colectivos, situaciones frágiles y mensajes urgentes. Estas once propuestas artísticas invitan a descodificarlos y a actuar desde la simplicidad, con los elementos mínimos, pero con toda la energía que requieren las situaciones complejas, como la vida misma.
martes, noviembre 17, 2009
lunes, noviembre 09, 2009
Acción!09MAD
Consolidándose como una referencia del Arte de Acción, los contenidos de Acción!09MAD se estructuran en torno a: “PERIFERIAS SIN CENTRO”, “ESPACIOS PARA LA ACCIÓN” y “NOSOTRAS, VOSOTRAS, ELLAS”; cada uno como un marco referencial abierto en el que se inserta una amplia programación que abarca desde las performances mismas a los espacios de transmisión donde se reflexiona sobre nuevas propuestas conceptuales o los talleres como el de Esther Ferrer en La Casa Encendida. El programa incluye también un espacio propio para jovenes artistas emergentes y un espacio para coproducción e intercambio con otros festivales europeos y nacionales.
Ver información completa en: www.accionmad.org
Esta nueva edición de Acción!MAD tiene un carácter ligeramente distinto a las anteriores en cuanto a los espacios donde se presenta, puesto que se desarrollará en cuatro sedes durante tres semanas: Off Limits, Círculo de Bellas Artes de Madrid, La Casa Encendida y Matadero Madrid.
El programa se desarrollará del 05 al 21 de Noviembre y presentará las performances de Esther Ferrer (E), Nezaket Ekizi (TUR/D), Mónika Günther & Ruedi Schill (CH), Kurt Johannessen (S), Anna Kalwajtys (PL), Riszard Piegza (PL), John G. Boehme (CA/USA) Kai Lam (SING), Antonio Gómez (E), J.M. Calleja (E), Fernando Baena (E) Carlos Felices (E), Angela García (E), Isabel León (E), Eva Pérez (E), María Marticorena (E) y Denys Blacker (GB/CAT).
Las propuestas teóricas de Guy Sioui-Durand (CAN) y Catie de Balmann (FR).
La presentación del Festival MUGA CAULA que realizará JOAN CASELLAS (E).
Talleres de Arte de Acción que impartirán Esther Ferrer en La Casa Encendida (Madrid) y Monika Güenther & Ruedi Schill en el Laboratorio de Arte Jóven (Murcia).
Ver información completa en: www.accionmad.org
Esta nueva edición de Acción!MAD tiene un carácter ligeramente distinto a las anteriores en cuanto a los espacios donde se presenta, puesto que se desarrollará en cuatro sedes durante tres semanas: Off Limits, Círculo de Bellas Artes de Madrid, La Casa Encendida y Matadero Madrid.
El programa se desarrollará del 05 al 21 de Noviembre y presentará las performances de Esther Ferrer (E), Nezaket Ekizi (TUR/D), Mónika Günther & Ruedi Schill (CH), Kurt Johannessen (S), Anna Kalwajtys (PL), Riszard Piegza (PL), John G. Boehme (CA/USA) Kai Lam (SING), Antonio Gómez (E), J.M. Calleja (E), Fernando Baena (E) Carlos Felices (E), Angela García (E), Isabel León (E), Eva Pérez (E), María Marticorena (E) y Denys Blacker (GB/CAT).
Las propuestas teóricas de Guy Sioui-Durand (CAN) y Catie de Balmann (FR).
La presentación del Festival MUGA CAULA que realizará JOAN CASELLAS (E).
Talleres de Arte de Acción que impartirán Esther Ferrer en La Casa Encendida (Madrid) y Monika Güenther & Ruedi Schill en el Laboratorio de Arte Jóven (Murcia).
Programación OFF LIMITS noviembre 2009
Los que se ven entre sí – 2 al 6 de noviembre
Acción!09 MAD - 5 y 6 de noviembre, 19.30 h
In-Sonora - 12 al 21 de noviembre, 12 a 20 h
Ars Games - 22 de noviembre, 19 h
Dorkbot - 27 de noviembre, 20.30 h
El Invernadero de Lavapiés - 30 de noviembre, 19.00
www.offlimits.es
Los que se ven entre sí- Residencia de Bea Fernández y Elena Albert para continuar su proyecto “Los que se ven entre sí”.
Acción!09 Mad- Encuentros Internacionales de Arte de Acción y Performance.
In-Sonora- Quinta edición del festival anual de música experimental que reúne instalaciones y objetos sonoros e interactivos, talleres, debates y presentaciones.
Ars Games- IV edición del festival de arte y videojuegos.
Dorkbot- Cita mensual de artistas, ingenieros y ciudadanos en general interesados en eso que llaman "arte electrónico". Encuentro coordinado por Javier Candeira.
El Invernadero de Lavapiés- Espacio donde se libera el proceso creativo de los limites del consumo. La creatividad como fin, no como medio.
Acción!09 MAD - 5 y 6 de noviembre, 19.30 h
In-Sonora - 12 al 21 de noviembre, 12 a 20 h
Ars Games - 22 de noviembre, 19 h
Dorkbot - 27 de noviembre, 20.30 h
El Invernadero de Lavapiés - 30 de noviembre, 19.00
www.offlimits.es
Los que se ven entre sí- Residencia de Bea Fernández y Elena Albert para continuar su proyecto “Los que se ven entre sí”.
Acción!09 Mad- Encuentros Internacionales de Arte de Acción y Performance.
In-Sonora- Quinta edición del festival anual de música experimental que reúne instalaciones y objetos sonoros e interactivos, talleres, debates y presentaciones.
Ars Games- IV edición del festival de arte y videojuegos.
Dorkbot- Cita mensual de artistas, ingenieros y ciudadanos en general interesados en eso que llaman "arte electrónico". Encuentro coordinado por Javier Candeira.
El Invernadero de Lavapiés- Espacio donde se libera el proceso creativo de los limites del consumo. La creatividad como fin, no como medio.
lunes, noviembre 02, 2009
SPORA. II Bienal Internacional de Arte Efímero abre su convocatoria de proyectos de Arte y Nuevas Tecnologías y Arte y Naturaleza
SPORA. II Bienal Internacional de Arte Efímero convoca, hasta el próximo 8 de noviembre, la presentación de proyectos de Arte y Nuevas Tecnologías y Arte y Naturaleza para la II edición de su muestra, que se celebrará en Granada entre el 15 y el 20 de diciembre de 2009.
www.sporaarteefimero.com
SPORA transcurre por un sendero cuyos extremos dan sentido a uno de los argumentos de la muestra, Tradición y Modernidad. A un lado, el Sacromonte, como exponente de esa tradición, y al otro, la zona de museos de la ciudad, con el Centro Cultural CajaGranada y el Parque de las Ciencias; ambos, ejemplo de puesta al día de una ciudad. Y entre ambos extremos, la ciudad y sus calles más concurridas. El agua de los ríos Darro y Genil hará de hilo conductor a través del tiempo y las diferentes culturas, para fundir tradición y modernidad potenciando un espacio cultural común. SPORA es una búsqueda de ese espacio cultural común, a partir de dos líneas de investigación:
1. Arte y Naturaleza. Se promoverá la educación sobre el respeto y la recuperación del Medio Ambiente, con intervenciones artísticas multidisciplinares de carácter efímero en el paisaje urbano, basadas en una Estética Ecológica y que nos hablen a través de metáforas de cómo mejorar nuestro presente y avanzar hacia un modelo energético más justo y sostenible. Se buscan intervenciones orientadas a preservar la herencia cultural y analizar diferentes rituales y tradiciones frente a la naturaleza. Podrán presentarse proyectos de Instalación, Performance, Land Art, Arte Reciclado, Escultura, etc…
2. Arte y Nuevas Tecnologías. Se promoverán proyectos artísticos que acerquen el arte y las nuevas tecnologías a la sociedad dentro de ese espacio cultural común. Los proyectos de creadores e investigadores que trabajen en torno a las prácticas artísticas contemporáneas, quedarán estructuradas en tres apartados: Arte interactivo (Net Art, Espacios interactivos, Entornos virtuales), Videoarte (Vídeocreación, Videoinstalaciones, Videodanza, Vjing) y Arte sonoro (Espacio sonoro, Escultura sonora, Vdj).
www.sporaarteefimero.com
SPORA transcurre por un sendero cuyos extremos dan sentido a uno de los argumentos de la muestra, Tradición y Modernidad. A un lado, el Sacromonte, como exponente de esa tradición, y al otro, la zona de museos de la ciudad, con el Centro Cultural CajaGranada y el Parque de las Ciencias; ambos, ejemplo de puesta al día de una ciudad. Y entre ambos extremos, la ciudad y sus calles más concurridas. El agua de los ríos Darro y Genil hará de hilo conductor a través del tiempo y las diferentes culturas, para fundir tradición y modernidad potenciando un espacio cultural común. SPORA es una búsqueda de ese espacio cultural común, a partir de dos líneas de investigación:
1. Arte y Naturaleza. Se promoverá la educación sobre el respeto y la recuperación del Medio Ambiente, con intervenciones artísticas multidisciplinares de carácter efímero en el paisaje urbano, basadas en una Estética Ecológica y que nos hablen a través de metáforas de cómo mejorar nuestro presente y avanzar hacia un modelo energético más justo y sostenible. Se buscan intervenciones orientadas a preservar la herencia cultural y analizar diferentes rituales y tradiciones frente a la naturaleza. Podrán presentarse proyectos de Instalación, Performance, Land Art, Arte Reciclado, Escultura, etc…
2. Arte y Nuevas Tecnologías. Se promoverán proyectos artísticos que acerquen el arte y las nuevas tecnologías a la sociedad dentro de ese espacio cultural común. Los proyectos de creadores e investigadores que trabajen en torno a las prácticas artísticas contemporáneas, quedarán estructuradas en tres apartados: Arte interactivo (Net Art, Espacios interactivos, Entornos virtuales), Videoarte (Vídeocreación, Videoinstalaciones, Videodanza, Vjing) y Arte sonoro (Espacio sonoro, Escultura sonora, Vdj).
lunes, octubre 26, 2009
V CONVOCATORIA DE ARTES PLÁSTICAS “MULIER MULIERIS” 2010
V CONVOCATORIA DE ARTES PLÁSTICAS “MULIER MULIERIS” 2010
Destinatarios: Podrán presentar proyectos, de forma individual o colectiva, artistas de cualquier sexo, edad y nacionalidad.
Tema: Las mujeres desde una perspectiva personal o global.
Organiza: Museo de la Universidad de Alicante.
Recepción de obras: del 16 de noviembre al 15 de diciembre de 2009
Más información: www.mua.ua.es
La celebración del Día Internacional de la Mujer es el marco en el que se organiza la IV Convocatoria “Mulier, mulieris”. Un año más, este certamen se concibe como una plataforma para la reflexión y el diálogo en torno a las mujeres, cuyo propósito es facilitar un espacio para la creación artística vinculada a temas como la identidad de género, la discriminación, la igualdad, la autonomía, los logros alcanzados o los desafíos futuros.
Esta convocatoria nace con vocación de pluralidad; está abierta a artistas de ambos sexos que se cuestionen el status de lo femenino, a la utilización de cualquier medio expresivo que implique una creación plástica (pintura, fotografía, vídeo, escultura, conjunción de varios medios, etc.), así como al tratamiento del tema desde una perspectiva personal o global.
Destinatarios: Podrán presentar proyectos, de forma individual o colectiva, artistas de cualquier sexo, edad y nacionalidad.
Tema: Las mujeres desde una perspectiva personal o global.
Organiza: Museo de la Universidad de Alicante.
Recepción de obras: del 16 de noviembre al 15 de diciembre de 2009
Más información: www.mua.ua.es
La celebración del Día Internacional de la Mujer es el marco en el que se organiza la IV Convocatoria “Mulier, mulieris”. Un año más, este certamen se concibe como una plataforma para la reflexión y el diálogo en torno a las mujeres, cuyo propósito es facilitar un espacio para la creación artística vinculada a temas como la identidad de género, la discriminación, la igualdad, la autonomía, los logros alcanzados o los desafíos futuros.
Esta convocatoria nace con vocación de pluralidad; está abierta a artistas de ambos sexos que se cuestionen el status de lo femenino, a la utilización de cualquier medio expresivo que implique una creación plástica (pintura, fotografía, vídeo, escultura, conjunción de varios medios, etc.), así como al tratamiento del tema desde una perspectiva personal o global.
LA ANARQUÍA DEL SILENCIO. JOHN CAGE Y EL ARTE EXPERIMENTAL
LA ANARQUÍA DEL SILENCIO. JOHN CAGE Y EL ARTE EXPERIMENTAL
Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), 23 octubre 2009 – 10 enero 2010
Comisaria: Julia Robinson
Exposición organizada por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y coproducida con Henie Onstad Art Centre, Høvikodden (Noruega)
www.macba.cat
John Cage (1912-1992) redefinió una práctica radical de composición «experimental» que no solo cambió el curso de la música y la danza modernas, sino que configuró un nuevo horizonte conceptual para la práctica artística de fines del siglo XX. Destacando la relevancia de la contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor retrospectiva dedicada al compositor desde su muerte, y la primera que ofrece una historización de su obra y del impacto que ha tenido.
La exposición recorre sistemáticamente la evolución de la trayectoria artística de Cage: de la música de percusión (años treinta) a las composiciones para «piano preparado» (años cuarenta), la aleatoriedad y la indeterminación (años cincuenta), las nuevas tecnologías (a partir de los sesenta), hasta llegar a la temática política que, de modo cada vez más explícito, informó las obras de las últimas décadas de su vida. Cage dio lugar a innumerables innovaciones formales, estructurales, temporales y tecnológicas que se han convertido en piedras angulares de la conciencia contemporánea.
Concert for Piano and Orchestra
[Concierto para piano y orquesta]
1957-1958
página 9
Impresión sobre papel
32,5 x 23 cm
Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), 23 octubre 2009 – 10 enero 2010
Comisaria: Julia Robinson
Exposición organizada por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y coproducida con Henie Onstad Art Centre, Høvikodden (Noruega)
www.macba.cat
John Cage (1912-1992) redefinió una práctica radical de composición «experimental» que no solo cambió el curso de la música y la danza modernas, sino que configuró un nuevo horizonte conceptual para la práctica artística de fines del siglo XX. Destacando la relevancia de la contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor retrospectiva dedicada al compositor desde su muerte, y la primera que ofrece una historización de su obra y del impacto que ha tenido.
La exposición recorre sistemáticamente la evolución de la trayectoria artística de Cage: de la música de percusión (años treinta) a las composiciones para «piano preparado» (años cuarenta), la aleatoriedad y la indeterminación (años cincuenta), las nuevas tecnologías (a partir de los sesenta), hasta llegar a la temática política que, de modo cada vez más explícito, informó las obras de las últimas décadas de su vida. Cage dio lugar a innumerables innovaciones formales, estructurales, temporales y tecnológicas que se han convertido en piedras angulares de la conciencia contemporánea.
Concert for Piano and Orchestra
[Concierto para piano y orquesta]
1957-1958
página 9
Impresión sobre papel
32,5 x 23 cm
viernes, octubre 23, 2009
LA ANARQUÍA DEL SILENCIO. JOHN CAGE Y EL ARTE EXPERIMENTAL
LA ANARQUÍA DEL SILENCIO. JOHN CAGE Y EL ARTE EXPERIMENTAL
Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), 23 octubre 2009 – 10 enero 2010
Comisaria: Julia Robinson
Exposición organizada por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y coproducida con Henie Onstad Art Centre, Høvikodden (Noruega)
www.macba.cat
John Cage (1912-1992) redefinió una práctica radical de composición «experimental» que no solo cambió el curso de la música y la danza modernas, sino que configuró un nuevo horizonte conceptual para la práctica artística de fines del siglo XX. Destacando la relevancia de la contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor retrospectiva dedicada al compositor desde su muerte, y la primera que ofrece una historización de su obra y del impacto que ha tenido.
La exposición recorre sistemáticamente la evolución de la trayectoria artística de Cage: de la música de percusión (años treinta) a las composiciones para «piano preparado» (años cuarenta), la aleatoriedad y la indeterminación (años cincuenta), las nuevas tecnologías (a partir de los sesenta), hasta llegar a la temática política que, de modo cada vez más explícito, informó las obras de las últimas décadas de su vida. Cage dio lugar a innumerables innovaciones formales, estructurales, temporales y tecnológicas que se han convertido en piedras angulares de la conciencia contemporánea.
Concert for Piano and Orchestra
[Concierto para piano y orquesta]
1957-1958
página 9
Impresión sobre papel
32,5 x 23 cm
Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), 23 octubre 2009 – 10 enero 2010
Comisaria: Julia Robinson
Exposición organizada por el Museu d’Art Contemporani de Barcelona y coproducida con Henie Onstad Art Centre, Høvikodden (Noruega)
www.macba.cat
John Cage (1912-1992) redefinió una práctica radical de composición «experimental» que no solo cambió el curso de la música y la danza modernas, sino que configuró un nuevo horizonte conceptual para la práctica artística de fines del siglo XX. Destacando la relevancia de la contribución de Cage al arte contemporáneo, el MACBA presenta la mayor retrospectiva dedicada al compositor desde su muerte, y la primera que ofrece una historización de su obra y del impacto que ha tenido.
La exposición recorre sistemáticamente la evolución de la trayectoria artística de Cage: de la música de percusión (años treinta) a las composiciones para «piano preparado» (años cuarenta), la aleatoriedad y la indeterminación (años cincuenta), las nuevas tecnologías (a partir de los sesenta), hasta llegar a la temática política que, de modo cada vez más explícito, informó las obras de las últimas décadas de su vida. Cage dio lugar a innumerables innovaciones formales, estructurales, temporales y tecnológicas que se han convertido en piedras angulares de la conciencia contemporánea.
Concert for Piano and Orchestra
[Concierto para piano y orquesta]
1957-1958
página 9
Impresión sobre papel
32,5 x 23 cm
jueves, octubre 22, 2009
MUSAC PRESENTA EXPOSICIONES DE A KASSEN EN EL LABORATORIO 987 Y GLOBALIZADOS
Colección MUSAC EN EL FESTIVAL PERIFERIAS DE HUESCA
Exposición: Window to the World
Inauguración: 24 de octubre, 20.00 h
Artistas: A Kassen
Comisaria: Tania Pardo
Espacio: Laboratorio 987
…
Exposición: Globalizados. Perspectivas sobre la sociedad de consumo en la Colección MUSAC.
Fechas y lugar: Del 23 de octubre al 22 de noviembre de 2009. Sala de Exposiciones de la Diputación de Huesca
Comisarios: Antonio Latorre, Tania Pardo
www.musac.es
El grupo artístico danés A Kassen presenta el 24 de octubre en el Laboratorio 987 del MUSAC Window to the World, un proyecto específico que se centrará en la relación entre el laureado edificio de Tuñón y Mansilla y la sala expositiva, a través de piezas que alterarán la percepción del espectador. Será la primera vez en la Historia del MUSAC que se intervenga de forma visible el exterior del edificio ganador del Premio Mies van der Rohe de Arquitectura Europea (2007). La muestra cuenta con la colaboración de Statens Kunstrad Danish Arts Council y de la Embajada de Dinamarca. Como evento inaugural, se ha programado a las 00.00 una sesión a cargo del Dj danés Jeppe Laursen abierta a todos los públicos.
El 23 de octubre se inaugura la exposición Globalizados. Perspectivas sobre la sociedad de consumo en la Colección MUSAC, enmarcada dentro del décimo aniversario del Festival Periferias de Huesca. Comisariada por Antonio Latorre y Tania Pardo, reflexionará sobre la cultura popular, el consumo y los mass media, analizando a través de las obras de la Colección MUSAC expuestas, la mundialización cultural y la globalización económica. La exposición cuenta con obras de Ignasi Aballí; Daniele Buetti; Carles Congost; Joan Fontcuberta; Sandra Gamarra; Pierre Huyghe; Kaoru Katayama; Immo Klink; Juan López; Muntean / Rosenblum; Fernando Sánchez Castillo; Martín Sastre; Sean Snyder; Azucena Vieites.
Exposición: Window to the World
Inauguración: 24 de octubre, 20.00 h
Artistas: A Kassen
Comisaria: Tania Pardo
Espacio: Laboratorio 987
…
Exposición: Globalizados. Perspectivas sobre la sociedad de consumo en la Colección MUSAC.
Fechas y lugar: Del 23 de octubre al 22 de noviembre de 2009. Sala de Exposiciones de la Diputación de Huesca
Comisarios: Antonio Latorre, Tania Pardo
www.musac.es
El grupo artístico danés A Kassen presenta el 24 de octubre en el Laboratorio 987 del MUSAC Window to the World, un proyecto específico que se centrará en la relación entre el laureado edificio de Tuñón y Mansilla y la sala expositiva, a través de piezas que alterarán la percepción del espectador. Será la primera vez en la Historia del MUSAC que se intervenga de forma visible el exterior del edificio ganador del Premio Mies van der Rohe de Arquitectura Europea (2007). La muestra cuenta con la colaboración de Statens Kunstrad Danish Arts Council y de la Embajada de Dinamarca. Como evento inaugural, se ha programado a las 00.00 una sesión a cargo del Dj danés Jeppe Laursen abierta a todos los públicos.
El 23 de octubre se inaugura la exposición Globalizados. Perspectivas sobre la sociedad de consumo en la Colección MUSAC, enmarcada dentro del décimo aniversario del Festival Periferias de Huesca. Comisariada por Antonio Latorre y Tania Pardo, reflexionará sobre la cultura popular, el consumo y los mass media, analizando a través de las obras de la Colección MUSAC expuestas, la mundialización cultural y la globalización económica. La exposición cuenta con obras de Ignasi Aballí; Daniele Buetti; Carles Congost; Joan Fontcuberta; Sandra Gamarra; Pierre Huyghe; Kaoru Katayama; Immo Klink; Juan López; Muntean / Rosenblum; Fernando Sánchez Castillo; Martín Sastre; Sean Snyder; Azucena Vieites.
LIF. Libertad, Igualdad, Fraternidad
Sala de exposiciones Alcalá 31
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid
Inauguración: 7 de octubre a las 20:00 horas
Entrada gratuita
Actividades paralelas: visitas guiadas, taller, mesa redonda y diálogo (ver sección actividades)
www.madrid.org
www.secc.es
Artistas: Antoni Abad, Jean-Michel Alberola, Elisabeth Ballet, Christian Boltanski, José Manuel Broto, Jean-Marc Bustamante, Daniel Canogar, Dionisio Cañas, Rui Chafes, Chema Cobo, Carlos Edmundo de Ory, Ninar Esber, Joan Fontcuberta, Luis Gordillo, Cristina Iglesias, Cristina Lucas, Annette Messager, François Morellet, Jean-Luc Moulène, Antoni Muntadas, Francis Naranjo, Marina Núñez, Bruno Peinado, Gonçalo Pena, Jaume Plensa, Bernardí Roig, Fernando Sánchez Castillo, Alain Séchas, Bruno Serralongue, Niele Toroni, Tatiana Trouvé, Eulàlia Valldosera y Yan Pei-Ming.
Con motivo del Bicentenario de la Guerra de la Independencia, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y la Comunidad de Madrid han organizado la exposición LIBERTAD IGUALDAD FRATERNIDAD, que se presentará el próximo 7 de octubre de 2009 en el histórico edificio de la Sala Alcalá 31.
Con el comisariado de la española Isabel Durán y el francés Bernard Marcadé, se ha invitado a 15 artistas españoles, 14 franceses y 2 portugueses a presentar una obra de arte que plantee la vigencia y el estado de desarrollo actual de estos tres ideales de convivencia de la sociedad moderna nacidos al calor de la Revolución francesa en 1789.
Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del Gobierno de la Comunidad de Madrid
Inauguración: 7 de octubre a las 20:00 horas
Entrada gratuita
Actividades paralelas: visitas guiadas, taller, mesa redonda y diálogo (ver sección actividades)
www.madrid.org
www.secc.es
Artistas: Antoni Abad, Jean-Michel Alberola, Elisabeth Ballet, Christian Boltanski, José Manuel Broto, Jean-Marc Bustamante, Daniel Canogar, Dionisio Cañas, Rui Chafes, Chema Cobo, Carlos Edmundo de Ory, Ninar Esber, Joan Fontcuberta, Luis Gordillo, Cristina Iglesias, Cristina Lucas, Annette Messager, François Morellet, Jean-Luc Moulène, Antoni Muntadas, Francis Naranjo, Marina Núñez, Bruno Peinado, Gonçalo Pena, Jaume Plensa, Bernardí Roig, Fernando Sánchez Castillo, Alain Séchas, Bruno Serralongue, Niele Toroni, Tatiana Trouvé, Eulàlia Valldosera y Yan Pei-Ming.
Con motivo del Bicentenario de la Guerra de la Independencia, la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) y la Comunidad de Madrid han organizado la exposición LIBERTAD IGUALDAD FRATERNIDAD, que se presentará el próximo 7 de octubre de 2009 en el histórico edificio de la Sala Alcalá 31.
Con el comisariado de la española Isabel Durán y el francés Bernard Marcadé, se ha invitado a 15 artistas españoles, 14 franceses y 2 portugueses a presentar una obra de arte que plantee la vigencia y el estado de desarrollo actual de estos tres ideales de convivencia de la sociedad moderna nacidos al calor de la Revolución francesa en 1789.
miércoles, septiembre 16, 2009
antimuseum's portable contemporay art center: méxico files 2009
antimuseum's portable contemporay art center: méxico files 2009
Exhibition at:
P74 Center and Gallery
Prušnikova 74
1210 Ljubljana - Slovenia
Opening: september 15, 2009
More information:
www.ojoatomico.com/cpac/index.html
www.zavod-parasite.si
Videonotes in Antimuseo TV:
www.youtube.com/antimuseo
Exhibition at:
P74 Center and Gallery
Prušnikova 74
1210 Ljubljana - Slovenia
Opening: september 15, 2009
More information:
www.ojoatomico.com/cpac/index.html
www.zavod-parasite.si
Videonotes in Antimuseo TV:
www.youtube.com/antimuseo
MUSAC PRESENTA LA NUEVA PROGRAMACIÓN EDUCATIVA Y CULTURAL DE SEPTIEMBRE Y OCTUBRE PROGRAMACIÓN MUSAC SEPTIEMBRE-OCTUBRE 2009 (Selección)
MUSAC PRESENTA LA NUEVA PROGRAMACIÓN EDUCATIVA Y CULTURAL DE SEPTIEMBRE Y OCTUBRE
PROGRAMACIÓN MUSAC SEPTIEMBRE-OCTUBRE 2009 (Selección)
-MUSAC OFF: (Proyectos en torno a la Colección MUSAC llevados a cabo fuera del museo)
-Simposios, seminarios, cursos, jornadas y conferencias
-Programa de Actividades de la Biblioteca del MUSAC (Abierto plazo de inscripción)
-Programación Audiovisual
Toda la información en www.musac.es
MUSAC OFF
- Exposición: HUÉSPED. Colección MUSAC en Rosario (Argentina). Inauguración 24 de septiembre
- MUSAC en The New York Art Book Fair en P.S.1 Contemporary Art Center de Nueva York. Del 2 al 4 de octubre
ACTIVIDADES EN TORNO A LA EXPOSICIÓN KYONG PARK. LAS NUEVAS RUTAS DE LA SEDA
- Simposio New Roads, New Urban Conditions. Nuevas rutas, nuevas condiciones urbanas. 10 de octubre. Dirigido por Octavio Zaya. Con Santiago Cirugeda, Teddy Cruz y Kyong Park.
- Ciclo de Documentales: Moving Cities. Entre Estambul y Tokio. Del 17 de septiembre al 29 de octubre.
PERFORMANCE DE HASSAN KHAN
El sábado 10 de octubre por la noche se desarrollará en el Hall del MUSAC una performance sonora del artista egipcio Hassan Khan.
SEMINARIOS, JORNADAS Y CONFERENCIAS
- Simposio PRODUCIR, EXPONER, INTERPRETAR, Estrategias y Conflictos en la Práctica Curatorial Hoy. Organizan MataderoMadrid y MUSAC. Fechas y lugar: 25, 26 y 27 de septiembre en MataderoMadrid. Cerrada inscripción
- Ciclo de Conferencias: Publico Arte. Conferencias sobre publicaciones relacionadas con la creación contemporánea.
FORMACIÓN EDUCATIVA Y DE ACCIÓN CULTURAL
- Curso anual: Curso Introductorio a la Historia del Arte del s.XX: Una aproximación desde las diferencias de género. Comienzo 8 de octubre. Diseñado por Patricia Mayayo (Profesora de Historia del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid). Abierto plazo de inscripción
- Grupo de Discusión sobre Arte Contemporáneo: Foro abierto al intercambio de ideas sobre diversos aspectos de la creación actual, articulado en torno a textos de crítica y teoría del arte. Abierto plazo de inscripción. Comienzo el 22 de septiembre
- Virtualizarte: Programa de alfabetización informacional: Octubre y noviembre: Curso de Tratamiento de Imagen. Plazo abierto
PROGRAMACIÓN MUSAC SEPTIEMBRE-OCTUBRE 2009 (Selección)
-MUSAC OFF: (Proyectos en torno a la Colección MUSAC llevados a cabo fuera del museo)
-Simposios, seminarios, cursos, jornadas y conferencias
-Programa de Actividades de la Biblioteca del MUSAC (Abierto plazo de inscripción)
-Programación Audiovisual
Toda la información en www.musac.es
MUSAC OFF
- Exposición: HUÉSPED. Colección MUSAC en Rosario (Argentina). Inauguración 24 de septiembre
- MUSAC en The New York Art Book Fair en P.S.1 Contemporary Art Center de Nueva York. Del 2 al 4 de octubre
ACTIVIDADES EN TORNO A LA EXPOSICIÓN KYONG PARK. LAS NUEVAS RUTAS DE LA SEDA
- Simposio New Roads, New Urban Conditions. Nuevas rutas, nuevas condiciones urbanas. 10 de octubre. Dirigido por Octavio Zaya. Con Santiago Cirugeda, Teddy Cruz y Kyong Park.
- Ciclo de Documentales: Moving Cities. Entre Estambul y Tokio. Del 17 de septiembre al 29 de octubre.
PERFORMANCE DE HASSAN KHAN
El sábado 10 de octubre por la noche se desarrollará en el Hall del MUSAC una performance sonora del artista egipcio Hassan Khan.
SEMINARIOS, JORNADAS Y CONFERENCIAS
- Simposio PRODUCIR, EXPONER, INTERPRETAR, Estrategias y Conflictos en la Práctica Curatorial Hoy. Organizan MataderoMadrid y MUSAC. Fechas y lugar: 25, 26 y 27 de septiembre en MataderoMadrid. Cerrada inscripción
- Ciclo de Conferencias: Publico Arte. Conferencias sobre publicaciones relacionadas con la creación contemporánea.
FORMACIÓN EDUCATIVA Y DE ACCIÓN CULTURAL
- Curso anual: Curso Introductorio a la Historia del Arte del s.XX: Una aproximación desde las diferencias de género. Comienzo 8 de octubre. Diseñado por Patricia Mayayo (Profesora de Historia del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid). Abierto plazo de inscripción
- Grupo de Discusión sobre Arte Contemporáneo: Foro abierto al intercambio de ideas sobre diversos aspectos de la creación actual, articulado en torno a textos de crítica y teoría del arte. Abierto plazo de inscripción. Comienzo el 22 de septiembre
- Virtualizarte: Programa de alfabetización informacional: Octubre y noviembre: Curso de Tratamiento de Imagen. Plazo abierto
miércoles, junio 24, 2009
Taller de artes plásticas. Extremadura
Hola a todos,
>
> Os mando la información del taller de artes plásticas que se va a desarrollar en la Residencia Universitaria de Jarandilla de la Vera, en Cáceres, los días 1, 2 y 3 de julio dentro de la programación de los Cursos de Verano de la Universidad de Extremadura.
>
> Este taller está impartido por Felipe Ortega e Isabel León, los dos artistas becados por la Junta de Extremadura para su incorporación temporal a la Uex, y tiene una duración de 20 horas (2 créditos de libre elección). Está planteado como una experiencia práctica en torno al proceso creativo a través de la acción y la reflexión (adjuntamos el documento informativo).
>
> El precio del taller es de 45 € y podéis hacer la inscripción directamente en el siguiente enlace:
>
> http://www.unex.es/unex/gobierno/direccion/viceext/estructura/cursos_verano/alumnos/inscripcion_alumnos
>
> Adjunto también los precios de la residencia, con pensión completa, y la página web: http://www.unex.es/eweb/RVC/
>
> RESIDENCIA V CENTENARIO
> Avda. Ruiz Jiménez, s/n
> Jarandilla de la Vera (Cáceres) C.P. 10450
> Tlfno. 927 56 02 52 Fax: 927 56 09 42
> http://cultural.unex.es/RVC rvc@unex.es
>
> Os mando la información del taller de artes plásticas que se va a desarrollar en la Residencia Universitaria de Jarandilla de la Vera, en Cáceres, los días 1, 2 y 3 de julio dentro de la programación de los Cursos de Verano de la Universidad de Extremadura.
>
> Este taller está impartido por Felipe Ortega e Isabel León, los dos artistas becados por la Junta de Extremadura para su incorporación temporal a la Uex, y tiene una duración de 20 horas (2 créditos de libre elección). Está planteado como una experiencia práctica en torno al proceso creativo a través de la acción y la reflexión (adjuntamos el documento informativo).
>
> El precio del taller es de 45 € y podéis hacer la inscripción directamente en el siguiente enlace:
>
> http://www.unex.es/unex/gobierno/direccion/viceext/estructura/cursos_verano/alumnos/inscripcion_alumnos
>
> Adjunto también los precios de la residencia, con pensión completa, y la página web: http://www.unex.es/eweb/RVC/
>
> RESIDENCIA V CENTENARIO
> Avda. Ruiz Jiménez, s/n
> Jarandilla de la Vera (Cáceres) C.P. 10450
> Tlfno. 927 56 02 52 Fax: 927 56 09 42
> http://cultural.unex.es/RVC rvc@unex.es
jueves, junio 18, 2009
Ilya & Emilia Kabakov. Under the snow
Del 12 de junio al 6 de septiembre de 2009
Inauguración 11 de junio a las 20 h
Comisariado: Cristina Ros
Planta -1
Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma
Producción: Museum am Ostwall de Dortmund (Alemania), Sara Hildénin Art Museum de Tampere (Finlandia), CAC Málaga y Es Baluard
www.esbaluard.org
Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma presenta por primera vez en Illes Balears la obra de Ilya y Emilia Kabakov, máximos exponentes del conceptualismo ruso, con la exposición Ilya & Kabakov. Under the snow, que se podrá ver en Es Baluard del 12 de junio al 6 de septiembre. La muestra está formada por doce grandes pinturas y catorce dibujos que ocupan la planta -1 del museo y que son el resultado de una cuidada selección de la serie Under the snow, realizada entre 2004 y 2006, obras que muestran paisajes de nieve, blancos, atravesados por agujeros, pisadas y grietas a través de las cuales se observan imágenes que contribuyen a la recuperación de la memoria del pasado reciente de la Unión Soviética y de los recuerdos personales del artista.
(Pintura nº4, 2004. Óleo sobre tela, 249 x 185,5 cm, colección particular, cortesía Galerie Thaddaeus Ropac, París/Salzburgo © Ilya Kabakov, VEGAP, Palma, 2009)
Inauguración 11 de junio a las 20 h
Comisariado: Cristina Ros
Planta -1
Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma
Producción: Museum am Ostwall de Dortmund (Alemania), Sara Hildénin Art Museum de Tampere (Finlandia), CAC Málaga y Es Baluard
www.esbaluard.org
Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma presenta por primera vez en Illes Balears la obra de Ilya y Emilia Kabakov, máximos exponentes del conceptualismo ruso, con la exposición Ilya & Kabakov. Under the snow, que se podrá ver en Es Baluard del 12 de junio al 6 de septiembre. La muestra está formada por doce grandes pinturas y catorce dibujos que ocupan la planta -1 del museo y que son el resultado de una cuidada selección de la serie Under the snow, realizada entre 2004 y 2006, obras que muestran paisajes de nieve, blancos, atravesados por agujeros, pisadas y grietas a través de las cuales se observan imágenes que contribuyen a la recuperación de la memoria del pasado reciente de la Unión Soviética y de los recuerdos personales del artista.
(Pintura nº4, 2004. Óleo sobre tela, 249 x 185,5 cm, colección particular, cortesía Galerie Thaddaeus Ropac, París/Salzburgo © Ilya Kabakov, VEGAP, Palma, 2009)
martes, mayo 26, 2009
A vueltas con la performance
SEMINARIO-TALLERES
Dirección: Esther Ferrer
Fechas: del 8 al 19 de junio
Fecha límite inscripción: 25 de mayo 2009
Con la participación de: Esther Ferrer, Dora García, Margarita de Aizpurua, Pilar Albarración, Rocío de la Villa, Maialen Lujanbio, Nieves Correa, Carlos Tejo, Bartolomé Ferrando, Valentín Torrens.
Del 8 al 19 de junio tendrá lugar en Arteleku el seminario coordinado por Esther Ferrer que consta de dos talleres, uno dirigido por la misma Esther Ferrer y el otro dirigido por Dora García. Además de los talleres, a los que hay que inscribirse, el seminario se nutrirá de mesas redondas y de performance.
Inscripciones
“En los años sesenta nadie se planteaba la cuestión de «qué» es la performance, porque no se utilizaba la palabra en el sentido que se emplea actualmente. Los que transitaban por el mundo de la acción eran pocos y generalmente estaban si no en la misma «onda», en una muy similar. No se sentía la necesidad de explicarla, ni de enseñarla, ni de estudiar sus características ni tampoco de establecer definiciones o clasificaciones. Entre estas últimas una que consideraban, y que hoy también muchos consideran fundamental, es que el saber hay que transmitirlo a través de la enseñanza. Así, para bien o para mal una vez más, entró la performance en las escuelas de Bellas Artes y en las Universidades.
Frente a esta situación, son muchos los interrogantes que nos podemos plantear. Entre ellos, por ejemplo, si efectivamente hay una pedagogía específica de la performance, o si ésta debe y puede enseñarse. Si la respuesta es afirmativa, ¿cuáles son los riesgos que eso
supone y cuáles son las ventajas si es que las hay?
También, al hablar de performance surge inmediatamente la cuestión del género. Performance es un término femenino singular, quizás por ello sean tantas las artistas que la practican, muchas de ellas feministas, aunque siempre haya excepciones. Con frecuencia se ha debatido sobre la incidencia del feminismo en el arte en general y en el mundo de la acción, en particular; no hay que olvidar que hay muchas mujeres pioneras en este terreno. Por ello, es interesante analizar el porqué, la incidencia del «feminismo» en el mundo de la acción, la radicalidad de ciertas propuestas pasadas y presentes y la vitalidad de este arte, debida quizás en parte a ellas.
Dos temas a discutir en un debate abierto, al mismo modo que la performance, que es la obra abierta por excelencia, nómada, multiforme e híbrida."
Esther Ferrer
Dirección: Esther Ferrer
Fechas: del 8 al 19 de junio
Fecha límite inscripción: 25 de mayo 2009
Con la participación de: Esther Ferrer, Dora García, Margarita de Aizpurua, Pilar Albarración, Rocío de la Villa, Maialen Lujanbio, Nieves Correa, Carlos Tejo, Bartolomé Ferrando, Valentín Torrens.
Del 8 al 19 de junio tendrá lugar en Arteleku el seminario coordinado por Esther Ferrer que consta de dos talleres, uno dirigido por la misma Esther Ferrer y el otro dirigido por Dora García. Además de los talleres, a los que hay que inscribirse, el seminario se nutrirá de mesas redondas y de performance.
Inscripciones
“En los años sesenta nadie se planteaba la cuestión de «qué» es la performance, porque no se utilizaba la palabra en el sentido que se emplea actualmente. Los que transitaban por el mundo de la acción eran pocos y generalmente estaban si no en la misma «onda», en una muy similar. No se sentía la necesidad de explicarla, ni de enseñarla, ni de estudiar sus características ni tampoco de establecer definiciones o clasificaciones. Entre estas últimas una que consideraban, y que hoy también muchos consideran fundamental, es que el saber hay que transmitirlo a través de la enseñanza. Así, para bien o para mal una vez más, entró la performance en las escuelas de Bellas Artes y en las Universidades.
Frente a esta situación, son muchos los interrogantes que nos podemos plantear. Entre ellos, por ejemplo, si efectivamente hay una pedagogía específica de la performance, o si ésta debe y puede enseñarse. Si la respuesta es afirmativa, ¿cuáles son los riesgos que eso
supone y cuáles son las ventajas si es que las hay?
También, al hablar de performance surge inmediatamente la cuestión del género. Performance es un término femenino singular, quizás por ello sean tantas las artistas que la practican, muchas de ellas feministas, aunque siempre haya excepciones. Con frecuencia se ha debatido sobre la incidencia del feminismo en el arte en general y en el mundo de la acción, en particular; no hay que olvidar que hay muchas mujeres pioneras en este terreno. Por ello, es interesante analizar el porqué, la incidencia del «feminismo» en el mundo de la acción, la radicalidad de ciertas propuestas pasadas y presentes y la vitalidad de este arte, debida quizás en parte a ellas.
Dos temas a discutir en un debate abierto, al mismo modo que la performance, que es la obra abierta por excelencia, nómada, multiforme e híbrida."
Esther Ferrer
Marina Abramovic
“8 Lessons on Emptiness with a Happy End”
8 Lessons on Emptiness with a Happy End es la obra más reciente de Marina Abramovic. Se trata de una videoinstalación que estará del 29 de mayo al 30 de junio en la Iglesia de la Laboral (Laboral Ciudad de la Cultura), en Gijón.
Transmite una profunda preocupación por los excesos de las representaciones contemporáneas de la violencia. Abramovic nos llena de impactantes imágenes a través de una compleja video-instalación en cinco pantallas que debe entenderse como contrapunto a las incontables atrocidades que vemos representadas constantemente.
www.teatrodelalaboral.com
La última pieza de Marina Abramovic transmite una profunda preocupación por los excesos de las representaciones contemporáneas de la violencia. Es la recreación de una guerra representada por niños.
La obra surge de la experiencia de Marina Abramovic en Laos, al observar que todos los niños tenían armas de juguete. A partir de ahí crea una compleja obra de vídeo multicanal. Junto con la video-instalación la Iglesia también acogerá una gran pantalla con la proyección Family Portrait, en la se puede observar a niños del lugar armados con sus juguetes de plástico que reflejan las diferentes fases de la guerra.
Marina Abramovic es una artista que defiende que, en la creación, hay que enfrentarse a las propias limitaciones; y ella lleva su arte hasta los mismos límites de resistencia de su propio ser.
Marina Abramovic recupera en la instalación la posibilidad misma de la catarsis teatral. “8 Lessons on Emptiness with a Happy End” es un claro ejemplo de cómo las imágenes pueden servir para crear entornos que los espectadores pueden penetrar y habitar. Los vídeos o las fotografías no son, en ningún sentido, documentos que imponen una distancia entre la obra y el espectador. Son, más bien, invitaciones a expandir ciertas capacidades sensuales y anímicas. Y es ahí, al ofrecer la posibilidad de experiencia directa, donde aparece la sorprendente dimensión de lo político.
8 Lessons on Emptiness with a Happy End es la obra más reciente de Marina Abramovic. Se trata de una videoinstalación que estará del 29 de mayo al 30 de junio en la Iglesia de la Laboral (Laboral Ciudad de la Cultura), en Gijón.
Transmite una profunda preocupación por los excesos de las representaciones contemporáneas de la violencia. Abramovic nos llena de impactantes imágenes a través de una compleja video-instalación en cinco pantallas que debe entenderse como contrapunto a las incontables atrocidades que vemos representadas constantemente.
www.teatrodelalaboral.com
La última pieza de Marina Abramovic transmite una profunda preocupación por los excesos de las representaciones contemporáneas de la violencia. Es la recreación de una guerra representada por niños.
La obra surge de la experiencia de Marina Abramovic en Laos, al observar que todos los niños tenían armas de juguete. A partir de ahí crea una compleja obra de vídeo multicanal. Junto con la video-instalación la Iglesia también acogerá una gran pantalla con la proyección Family Portrait, en la se puede observar a niños del lugar armados con sus juguetes de plástico que reflejan las diferentes fases de la guerra.
Marina Abramovic es una artista que defiende que, en la creación, hay que enfrentarse a las propias limitaciones; y ella lleva su arte hasta los mismos límites de resistencia de su propio ser.
Marina Abramovic recupera en la instalación la posibilidad misma de la catarsis teatral. “8 Lessons on Emptiness with a Happy End” es un claro ejemplo de cómo las imágenes pueden servir para crear entornos que los espectadores pueden penetrar y habitar. Los vídeos o las fotografías no son, en ningún sentido, documentos que imponen una distancia entre la obra y el espectador. Son, más bien, invitaciones a expandir ciertas capacidades sensuales y anímicas. Y es ahí, al ofrecer la posibilidad de experiencia directa, donde aparece la sorprendente dimensión de lo político.
viernes, mayo 22, 2009
El ojo atómico
NOVEDADES / NEWS:
TRAS LOS SIGNOS EN ROTACIÓN
Primer encuentro
Ya en línea las ponencias y videos de los debates
www.ojoatomico.com/signos/index.html
www.youtube.com/antimuseo
CENTRO PORTATIL DE ARTE CONTEMPORANEO
Fotografías y textos del proyecto que realizamos actualmente en México
www.ojoatomico.com/cpac/index.html
Now ENGLISH CONTENTS: 70% web site translated
www.ojoatomico.com/english/about.html
www.ojoatomico.com/english/texts.html
www.ojoatomico.com/english/stages.html
El Ojo Atómico
ANTIMUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
info@ojoatomico.com
www,ojoatomico.com
TRAS LOS SIGNOS EN ROTACIÓN
Primer encuentro
Ya en línea las ponencias y videos de los debates
www.ojoatomico.com/signos/index.html
www.youtube.com/antimuseo
CENTRO PORTATIL DE ARTE CONTEMPORANEO
Fotografías y textos del proyecto que realizamos actualmente en México
www.ojoatomico.com/cpac/index.html
Now ENGLISH CONTENTS: 70% web site translated
www.ojoatomico.com/english/about.html
www.ojoatomico.com/english/texts.html
www.ojoatomico.com/english/stages.html
El Ojo Atómico
ANTIMUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO
info@ojoatomico.com
www,ojoatomico.com
lunes, mayo 18, 2009
ARTIUM- EXPOSICIÓN DE ANTONY GORMLEY
ARTIUM PRESENTA LA EXPOSICIÓN BETWEEN YOU AND ME, DE ANTONY GORMLEY
Between You and Me. Antony Gormley
Sala Norte, desde el 19 de marzo hasta el 30 de agosto
Producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), Kunsthal (Rotterdam) y Musée d’Art Moderne (St. Etienne), con la colaboración de Galerie Thaddaeus Ropac (París, Salzburgo)
Con el patrocinio de la Diputación Foral de Álava, Mondragón, Naturgas Energia y EITB
Catálogo de la exposición, con textos de Rod Mengham y Fernando Huici y una entrevista de Antony Gormley con Pierre Tillet.
Más información en www.artium.org
ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición Between You and Me, de Antony Gormley (Sala Norte, hasta el 30 de agosto), una selección de obras del artista inglés que ha sido considerado como uno de los grandes renovadores de la escultura europea. Durante los últimos 25 años, Gormley ha revitalizado la figura humana en la escultura a partir de su percepción del cuerpo como lugar de memoria y transformación. El eje central de su obra es la persona y su posición en el universo y sus creaciones están dotadas de una gran intención simbólica, desde la contundencia de las figuras en hierro y plomo hasta la levedad y fragilidad de las confeccionadas con varillas o arcilla. Between You and Me, primera exposición itinerante de Gormley por Europa, es una coproducción de ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), Kunsthal (Rotterdam) y Musée d’Art Moderne (St. Etienne), con la colaboración de Galerie Thaddaeus Ropac (París, Salzsburgo )! y con el patrocinio de Diputación Foral de Álava, Mondragón, Naturgas y EITB.
(© GORMLEY, Antony. European Field. 1993. Terracotta. Variable size: approx. 40 000. elements, each 8-26 cm high)
Between You and Me. Antony Gormley
Sala Norte, desde el 19 de marzo hasta el 30 de agosto
Producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), Kunsthal (Rotterdam) y Musée d’Art Moderne (St. Etienne), con la colaboración de Galerie Thaddaeus Ropac (París, Salzburgo)
Con el patrocinio de la Diputación Foral de Álava, Mondragón, Naturgas Energia y EITB
Catálogo de la exposición, con textos de Rod Mengham y Fernando Huici y una entrevista de Antony Gormley con Pierre Tillet.
Más información en www.artium.org
ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, presenta la exposición Between You and Me, de Antony Gormley (Sala Norte, hasta el 30 de agosto), una selección de obras del artista inglés que ha sido considerado como uno de los grandes renovadores de la escultura europea. Durante los últimos 25 años, Gormley ha revitalizado la figura humana en la escultura a partir de su percepción del cuerpo como lugar de memoria y transformación. El eje central de su obra es la persona y su posición en el universo y sus creaciones están dotadas de una gran intención simbólica, desde la contundencia de las figuras en hierro y plomo hasta la levedad y fragilidad de las confeccionadas con varillas o arcilla. Between You and Me, primera exposición itinerante de Gormley por Europa, es una coproducción de ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), Kunsthal (Rotterdam) y Musée d’Art Moderne (St. Etienne), con la colaboración de Galerie Thaddaeus Ropac (París, Salzsburgo )! y con el patrocinio de Diputación Foral de Álava, Mondragón, Naturgas y EITB.
(© GORMLEY, Antony. European Field. 1993. Terracotta. Variable size: approx. 40 000. elements, each 8-26 cm high)
lunes, mayo 11, 2009
Un poco de educación : "Para ser feliz hay que ser valiente"
Mariana Orozco: "Para ser feliz hay que ser valiente"
Coordina en España la asociación Educación Universal, destinada a orientar a niños, y a sus padres, sobre las actitudes y los principios éticos humanos que ayudan a ser feliz.
Mariana Orozco. Foto: GUILLERMO MOLINER
Mariana Orozco. Foto: GUILLERMO MOLINER
ÀNGELS GALLARDO
--¿Se proponen enseñar a ser feliz?
--La búsqueda de la felicidad forma parte de todas las culturas, es lo más universal que existe. Es la máxima aspiración de los seres humanos. Lo que nosotros intentamos es dar pautas para que los niños sean conscientes de cómo uno percibe la realidad y dónde están los errores que causan insatisfacción. Esta forma de percibir la realidad implica observar las actitudes con que se afronta la vida.
--El sistema educativo no incluye el aprendizaje de la felicidad.
--No solo no lo incluye sino que considera que no es adecuado enseñar eso. Hay quien opina que educar a los niños para que sean felices es como formarlos para que sean tontos, porque si son felices significa que viven en un mundo que no es real, aislados del sufrimiento. Si entiendes las cosas así, es lógico que aceptes que la escuela sea un reflejo de la sociedad, pero esa es una educación parcial e insatisfactoria, que no desarrolla todas las inteligencias.
--¿Las inteligencias?
--El sistema educativo evalúa la inteligencia lógico matemática y la verbal. Es un método fragmentado. Y fragmenta a las personas: separa el intelecto de las cualidades que se asocian con el corazón y las emociones. Todo lo relacionado con la inteligencia interpersonal y con la capacidad de ver el interior de uno mismo no existe. No se está enseñando a escoger las actitudes ante la vida que ayudan a ser feliz. Aprender a ser feliz implica tener sabiduría.
--¿A que llama sabiduría?
--A la capacidad de conocerse uno mismo. A saber cómo reacciono ante las situaciones que me rodean, sin filtros ni prejuicios. Y a ser capaz de cambiar las actitudes que me impiden ser feliz. Eso puede hacerse pensando en uno mismo y en los demás.
--¿Todo eso se puede enseñar?
--Por supuesto. No son cosas que nazcan espontáneamente en nuestra mente. La idea de Educación Universal surgió al observar esa fragmentación. Este proyecto lo inició un lama tibetano, Thubten Yeshe, hace más de 30 años en California (EEUU). Observó que la enseñanza aplicada en Occidente no respondía a las necesidades de las personas, y propuso una forma de educación que uniera la inteligencia lógica, matemática y científica, con las emociones y con la inteligencia espiritual.
--Una suma.
--Sí. Una unificación de la persona, para la que habría que crear un lenguaje universal, completamente libre, aplicable a todos los seres humanos y que, al mismo tiempo, se contextualice con la cultura de cada país. Como la primera parte ya se hace en las escuelas, nosotros empezamos por la segunda, aunque el objetivo es hacerlas coincidir: enseñar todos los conocimientos con métodos que tengan en cuenta la ética y las actitudes positivas.
--¿Qué actitudes ayudan a ser feliz?
--Generosidad, honestidad, bondad, respeto, gratitud, paciencia, responsabilidad, humildad... Si uno no es humilde no es capaz de aprender de los demás; el respeto es imprescindible para convivir de forma armoniosa, agradable y feliz. La paciencia es necesaria para aceptar las cosas como son. No hablo de resignación, sino de la capacidad de aceptar que unas cosas son posibles y otras que requieren paciencia. Ahora vivimos en la cultura del "lo quiero: ¡ya!".
--Han seleccionado 16.
--Si, pero hay más. Tres fundamentales son tener principios, aspiraciones y valentía.
--¿Tener principios y aspiraciones?
--Nosotros no planteamos unos principios concretos: proponemos que cada cual aprenda a buscas los principios con los que se identifica, que sea capaz de tomarlos como propios y que siga ese camino. Y lo mismo con las aspiraciones. Eso exige mucha valentía, porque implica darse cuenta de para qué vale uno mismo, cuál es su talento natural, su don, y atreverse a defenderlo. Realizarlo. Para ser feliz hay que ser valiente.
--Proponen una gran reflexión.
--Son aspectos naturales de las personas, pero es necesario que alguien introduzca esas ideas. Si no buscas tus propios principios, acabas adoptando, por defecto, los que te está dando la sociedad, que se resumen en: consigue más cosas materiales y serás más feliz. Y ya hemos visto que eso, en realidad, no hace feliz.
--¿Ven posible reconducir la educación hacia este tipo de valores?
--Posible, sí; sencillo, no. Todos estarían de acuerdo en que es bueno potenciar el respeto, la tolerancia, la bondad... pero hay muchos otros valores, los esenciales, que se defienden de palabra pero no de obra.
--¿Por ejemplo?
--La generosidad. La gratitud. La responsabilidad. El altruismo. Tal vez con los niños sea más fácil. Estamos haciendo una experiencia piloto en un instituto de secundaria de Barcelona, donde se está uniendo la enseñanza de las artes plásticas con la ética. Es una introspección a través del arte. Parece que les gusta.
Coordina en España la asociación Educación Universal, destinada a orientar a niños, y a sus padres, sobre las actitudes y los principios éticos humanos que ayudan a ser feliz.
Mariana Orozco. Foto: GUILLERMO MOLINER
Mariana Orozco. Foto: GUILLERMO MOLINER
ÀNGELS GALLARDO
--¿Se proponen enseñar a ser feliz?
--La búsqueda de la felicidad forma parte de todas las culturas, es lo más universal que existe. Es la máxima aspiración de los seres humanos. Lo que nosotros intentamos es dar pautas para que los niños sean conscientes de cómo uno percibe la realidad y dónde están los errores que causan insatisfacción. Esta forma de percibir la realidad implica observar las actitudes con que se afronta la vida.
--El sistema educativo no incluye el aprendizaje de la felicidad.
--No solo no lo incluye sino que considera que no es adecuado enseñar eso. Hay quien opina que educar a los niños para que sean felices es como formarlos para que sean tontos, porque si son felices significa que viven en un mundo que no es real, aislados del sufrimiento. Si entiendes las cosas así, es lógico que aceptes que la escuela sea un reflejo de la sociedad, pero esa es una educación parcial e insatisfactoria, que no desarrolla todas las inteligencias.
--¿Las inteligencias?
--El sistema educativo evalúa la inteligencia lógico matemática y la verbal. Es un método fragmentado. Y fragmenta a las personas: separa el intelecto de las cualidades que se asocian con el corazón y las emociones. Todo lo relacionado con la inteligencia interpersonal y con la capacidad de ver el interior de uno mismo no existe. No se está enseñando a escoger las actitudes ante la vida que ayudan a ser feliz. Aprender a ser feliz implica tener sabiduría.
--¿A que llama sabiduría?
--A la capacidad de conocerse uno mismo. A saber cómo reacciono ante las situaciones que me rodean, sin filtros ni prejuicios. Y a ser capaz de cambiar las actitudes que me impiden ser feliz. Eso puede hacerse pensando en uno mismo y en los demás.
--¿Todo eso se puede enseñar?
--Por supuesto. No son cosas que nazcan espontáneamente en nuestra mente. La idea de Educación Universal surgió al observar esa fragmentación. Este proyecto lo inició un lama tibetano, Thubten Yeshe, hace más de 30 años en California (EEUU). Observó que la enseñanza aplicada en Occidente no respondía a las necesidades de las personas, y propuso una forma de educación que uniera la inteligencia lógica, matemática y científica, con las emociones y con la inteligencia espiritual.
--Una suma.
--Sí. Una unificación de la persona, para la que habría que crear un lenguaje universal, completamente libre, aplicable a todos los seres humanos y que, al mismo tiempo, se contextualice con la cultura de cada país. Como la primera parte ya se hace en las escuelas, nosotros empezamos por la segunda, aunque el objetivo es hacerlas coincidir: enseñar todos los conocimientos con métodos que tengan en cuenta la ética y las actitudes positivas.
--¿Qué actitudes ayudan a ser feliz?
--Generosidad, honestidad, bondad, respeto, gratitud, paciencia, responsabilidad, humildad... Si uno no es humilde no es capaz de aprender de los demás; el respeto es imprescindible para convivir de forma armoniosa, agradable y feliz. La paciencia es necesaria para aceptar las cosas como son. No hablo de resignación, sino de la capacidad de aceptar que unas cosas son posibles y otras que requieren paciencia. Ahora vivimos en la cultura del "lo quiero: ¡ya!".
--Han seleccionado 16.
--Si, pero hay más. Tres fundamentales son tener principios, aspiraciones y valentía.
--¿Tener principios y aspiraciones?
--Nosotros no planteamos unos principios concretos: proponemos que cada cual aprenda a buscas los principios con los que se identifica, que sea capaz de tomarlos como propios y que siga ese camino. Y lo mismo con las aspiraciones. Eso exige mucha valentía, porque implica darse cuenta de para qué vale uno mismo, cuál es su talento natural, su don, y atreverse a defenderlo. Realizarlo. Para ser feliz hay que ser valiente.
--Proponen una gran reflexión.
--Son aspectos naturales de las personas, pero es necesario que alguien introduzca esas ideas. Si no buscas tus propios principios, acabas adoptando, por defecto, los que te está dando la sociedad, que se resumen en: consigue más cosas materiales y serás más feliz. Y ya hemos visto que eso, en realidad, no hace feliz.
--¿Ven posible reconducir la educación hacia este tipo de valores?
--Posible, sí; sencillo, no. Todos estarían de acuerdo en que es bueno potenciar el respeto, la tolerancia, la bondad... pero hay muchos otros valores, los esenciales, que se defienden de palabra pero no de obra.
--¿Por ejemplo?
--La generosidad. La gratitud. La responsabilidad. El altruismo. Tal vez con los niños sea más fácil. Estamos haciendo una experiencia piloto en un instituto de secundaria de Barcelona, donde se está uniendo la enseñanza de las artes plásticas con la ética. Es una introspección a través del arte. Parece que les gusta.
jueves, mayo 07, 2009
Merce Cunningham
Events.
en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia
Una ocasión excepcional para disfrutar de las obras de arte del museo con la emblemática compañía norteamericana Merce Cunningham.
4, 6, 7, 8 y 9 de Mayo.
Danza en familia, Encuentro con Trevor Carlson y Benedetta Tagliabue, Programa de audiovisuales y EVENTS
Entrada libre previa reserva aquí
“Realmente hay que amar la danza para dedicarle la vida. No te devuelve nada: ni manuscritos que conservar ni pinturas que mostrar en las paredes o tal vez colgar en los museos ni poemas para editarse o venderse.
en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia
Una ocasión excepcional para disfrutar de las obras de arte del museo con la emblemática compañía norteamericana Merce Cunningham.
4, 6, 7, 8 y 9 de Mayo.
Danza en familia, Encuentro con Trevor Carlson y Benedetta Tagliabue, Programa de audiovisuales y EVENTS
Entrada libre previa reserva aquí
“Realmente hay que amar la danza para dedicarle la vida. No te devuelve nada: ni manuscritos que conservar ni pinturas que mostrar en las paredes o tal vez colgar en los museos ni poemas para editarse o venderse.
viernes, abril 24, 2009
Real(ity) cuts, Gordon Matta-Clark, macba
Real(ity) cuts
En torno al cine de Gordon Matta-Clark
Programa de cine
Hasta el 3 de junio de 2009
www.macba.cat
La cámara acompañó a Gordon Matta-Clark a lo largo de su proceso artístico. Después de servir como instrumento de grabación para sus performances, se convirtió muy rápidamente en una herramienta de percepción del espacio arquitectónico, urbano y social donde él intervenía. De los planos que registran sus acciones-performances a los collages y recortes de negativos, pasando por el análisis del espesor de la textura urbana, la mirada documental –que capta la desorientación espacial o la percepción alterada mediante cortes que el artista realizó en los edificios–, las películas y los vídeos de Gordon Matta-Clark están pensados, desde un principio, como una forma artística que busca explicar estas performances, exploraciones y building cuts, y que se queda lo más cerca posible de la experiencia sensible.
En los building cuts, la cámara explora los elementos fundamentales del movimiento y del peso, así como su distribución en la verticalidad de los edificios. Asimismo, registra el desconcierto fruto de la confusión entre interior y exterior, la redistribución de la luz, la distorsión del sentido de la dirección –que niega las leyes de la gravedad–, la medición del tiempo y la concentración de una gran energía (que él denomina «points of energy concentration in space»). Al desafiar todo límite, el cuerpo del artista en un entorno ya construido desbarata el orden del mundo y ofrece una nueva visión del espacio urbano.
En Matta-Clark coexisten tanto la capacidad de formar cuerpo, de observar «recibiendo al mundo», como la de mirar con un ojo que se proyecta en el espacio, de lo cóncavo a lo convexo. En el artista también encontramos la facultad para pasar de una mirada vinculada al tiempo y a la historia del sujeto –en la que hay interpretación y confrontación con el pasado–, a una mirada, más «geográfica», que parece recibir el mundo tal cual. Sin embargo, debido a la historia de nuestra percepción, con el tiempo, resulta imposible reinventarse los objetos del mundo: nuestra proyección los va asociando de la misma manera, ya que observamos siempre a través del filtro de nuestra historia. Estamos ante lo que podría llamarse una neurosis de la mirada; nuestra percepción visual ya no es capaz de volver a asumir una subjetividad en su relación con el mundo.
(Gordon Matta-Clark, Splitting, 1974-1976. Colección MACBA. Consorci Museu d’Art Contemporani de Barcelona. © Estate of Gordon Matta-Clark, VEGAP, Barcelona, 2009)
En torno al cine de Gordon Matta-Clark
Programa de cine
Hasta el 3 de junio de 2009
www.macba.cat
La cámara acompañó a Gordon Matta-Clark a lo largo de su proceso artístico. Después de servir como instrumento de grabación para sus performances, se convirtió muy rápidamente en una herramienta de percepción del espacio arquitectónico, urbano y social donde él intervenía. De los planos que registran sus acciones-performances a los collages y recortes de negativos, pasando por el análisis del espesor de la textura urbana, la mirada documental –que capta la desorientación espacial o la percepción alterada mediante cortes que el artista realizó en los edificios–, las películas y los vídeos de Gordon Matta-Clark están pensados, desde un principio, como una forma artística que busca explicar estas performances, exploraciones y building cuts, y que se queda lo más cerca posible de la experiencia sensible.
En los building cuts, la cámara explora los elementos fundamentales del movimiento y del peso, así como su distribución en la verticalidad de los edificios. Asimismo, registra el desconcierto fruto de la confusión entre interior y exterior, la redistribución de la luz, la distorsión del sentido de la dirección –que niega las leyes de la gravedad–, la medición del tiempo y la concentración de una gran energía (que él denomina «points of energy concentration in space»). Al desafiar todo límite, el cuerpo del artista en un entorno ya construido desbarata el orden del mundo y ofrece una nueva visión del espacio urbano.
En Matta-Clark coexisten tanto la capacidad de formar cuerpo, de observar «recibiendo al mundo», como la de mirar con un ojo que se proyecta en el espacio, de lo cóncavo a lo convexo. En el artista también encontramos la facultad para pasar de una mirada vinculada al tiempo y a la historia del sujeto –en la que hay interpretación y confrontación con el pasado–, a una mirada, más «geográfica», que parece recibir el mundo tal cual. Sin embargo, debido a la historia de nuestra percepción, con el tiempo, resulta imposible reinventarse los objetos del mundo: nuestra proyección los va asociando de la misma manera, ya que observamos siempre a través del filtro de nuestra historia. Estamos ante lo que podría llamarse una neurosis de la mirada; nuestra percepción visual ya no es capaz de volver a asumir una subjetividad en su relación con el mundo.
(Gordon Matta-Clark, Splitting, 1974-1976. Colección MACBA. Consorci Museu d’Art Contemporani de Barcelona. © Estate of Gordon Matta-Clark, VEGAP, Barcelona, 2009)
lunes, abril 13, 2009
Retratos o si yo fuera
Varsovia retratos
Retratos o si yo fuera es en primer lugar una apropiación -a través de la observación- del cuerpo del otro: de su movimiento, de su gestualidad, de su vestuario, de su espacio.
“Pero, mas allá de esta primera capa de observación objetiva del ser retratado, Retratos o si yo fuera es también un ejercicio de ciencia ficción, en el que hay, por un lado el espacio, los objetos y la vida real del ser retratado, y por otro, un cuerpo extraño, el mío, que lo suplanta. Retratos nace del deseo de ser otro, de tener otro cuerpo, otra vida.
Finalmente al hablar de otro hablo de mí.
Esta perversión es la tensión que sustenta cada retrato.”
Sofia Asencio
La instalación
Fechas: 17 a 25 de abril
Lugar: Edificio Sabatini. Planta 1. Sala Producciones
Género: Instalación
Performance de Sofía Asencio y Nilo Gallego. Si yo fuera
Práctica de observación núm.1
Observar al otro. Trabajar con la simplicidad del mecanismo de la imitación. No juzgar, dar el mismo valor a todo, huir de la lógica. Transformar continuamente. Se trata de desactivar los mecanismos que rigen el funcionamiento narrativo de la realidad para abrir nuevos puntos de vista, desenmascarando su rijidez e inmobilidad, transformando los símbolos en simples anécdotas.
Fechas: 17, 18 y 20 de abril
Hora: 20:00 h (días 17 y 18) 19:00 h (día 20)
Lugar: Edificio Sabatini. Planta 1. Sala Producciones
Género: Performance/danza
Duración: 30 minutos
El taller de Tomás Aragay
Fechas: 18, 19 y 20 de abril
Hora: De 10:00 h a 14:00 h
Lugar: Edifico Nouvel. Sala de protocolo
Inscripciones: Hasta el 13 de abril
Formulario: Formulario de inscripción
+ info
El encuentro con mujeres retratadas
Fecha: 18 de abril
Hora: 17:00 h
Lugar: Edificio Nouvel. Auditorio 200
Género: Charla conferencia
Presentación pública de los resultados del taller
Fecha: 20 de abril
Hora: de 16:00 h a 18.00 h
Lugar: Edificio Nouvel. Sala de protocolo
Retratos o si yo fuera es en primer lugar una apropiación -a través de la observación- del cuerpo del otro: de su movimiento, de su gestualidad, de su vestuario, de su espacio.
“Pero, mas allá de esta primera capa de observación objetiva del ser retratado, Retratos o si yo fuera es también un ejercicio de ciencia ficción, en el que hay, por un lado el espacio, los objetos y la vida real del ser retratado, y por otro, un cuerpo extraño, el mío, que lo suplanta. Retratos nace del deseo de ser otro, de tener otro cuerpo, otra vida.
Finalmente al hablar de otro hablo de mí.
Esta perversión es la tensión que sustenta cada retrato.”
Sofia Asencio
La instalación
Fechas: 17 a 25 de abril
Lugar: Edificio Sabatini. Planta 1. Sala Producciones
Género: Instalación
Performance de Sofía Asencio y Nilo Gallego. Si yo fuera
Práctica de observación núm.1
Observar al otro. Trabajar con la simplicidad del mecanismo de la imitación. No juzgar, dar el mismo valor a todo, huir de la lógica. Transformar continuamente. Se trata de desactivar los mecanismos que rigen el funcionamiento narrativo de la realidad para abrir nuevos puntos de vista, desenmascarando su rijidez e inmobilidad, transformando los símbolos en simples anécdotas.
Fechas: 17, 18 y 20 de abril
Hora: 20:00 h (días 17 y 18) 19:00 h (día 20)
Lugar: Edificio Sabatini. Planta 1. Sala Producciones
Género: Performance/danza
Duración: 30 minutos
El taller de Tomás Aragay
Fechas: 18, 19 y 20 de abril
Hora: De 10:00 h a 14:00 h
Lugar: Edifico Nouvel. Sala de protocolo
Inscripciones: Hasta el 13 de abril
Formulario: Formulario de inscripción
+ info
El encuentro con mujeres retratadas
Fecha: 18 de abril
Hora: 17:00 h
Lugar: Edificio Nouvel. Auditorio 200
Género: Charla conferencia
Presentación pública de los resultados del taller
Fecha: 20 de abril
Hora: de 16:00 h a 18.00 h
Lugar: Edificio Nouvel. Sala de protocolo
sábado, abril 04, 2009
John Cage. Curso monográfico
John Cage. Curso monográfico
A cargo de Carmen Pardo
20, 21, 27 y 28 de abril de 2009
Este curso, vinculado a la exposición John Cage y el arte experimental. La anarquía del silencio que se inaugura en el MACBA en otoño de 2009, traza un recorrido completo por la trayectoria de John Cage: desde sus trabajos iniciales en los años treinta, en los que amplió los parámetros de la música de percusión con instrumentos poco convencionales, hasta su conocida concepción del silencio y sus innovadoras colaboraciones multimedia en los años ochenta. Asimismo, analiza la influencia de Cage en sus coetáneos y en artistas posteriores, así como las colaboraciones que realizó con Robert Rauschenberg y Merce Cunningham, entre otros.
www.macba.cat
Para dejar de ser sordo y ciego al mundo que me rodea John Cage (1912-1992), artista singular –pintor, músico, pensador, micólogo e inventor– mostró que era posible aventurarse por los bosques de la música, que la transformación del pensamiento puede ser uno de los objetivos del arte y que entre la vida y el arte hay una continuidad. Para ello, empezó eliminando de su equipaje las ideas preconcebidas, el peso de la memoria y el lastre de unas emociones demasiado automatizadas, hasta convertirse en un pájaro. Desde esta mutación, John Cage nos invita a salir de la jaula, de cualquier jaula, para dejar de ser sordos y ciegos al mundo que nos rodea.
(John Cage preparando un piano, ca. 1964. Cortesía de John Cage Trust. © The John Cage Trust, 2009)
más info....
desuscribir
A cargo de Carmen Pardo
20, 21, 27 y 28 de abril de 2009
Este curso, vinculado a la exposición John Cage y el arte experimental. La anarquía del silencio que se inaugura en el MACBA en otoño de 2009, traza un recorrido completo por la trayectoria de John Cage: desde sus trabajos iniciales en los años treinta, en los que amplió los parámetros de la música de percusión con instrumentos poco convencionales, hasta su conocida concepción del silencio y sus innovadoras colaboraciones multimedia en los años ochenta. Asimismo, analiza la influencia de Cage en sus coetáneos y en artistas posteriores, así como las colaboraciones que realizó con Robert Rauschenberg y Merce Cunningham, entre otros.
www.macba.cat
Para dejar de ser sordo y ciego al mundo que me rodea John Cage (1912-1992), artista singular –pintor, músico, pensador, micólogo e inventor– mostró que era posible aventurarse por los bosques de la música, que la transformación del pensamiento puede ser uno de los objetivos del arte y que entre la vida y el arte hay una continuidad. Para ello, empezó eliminando de su equipaje las ideas preconcebidas, el peso de la memoria y el lastre de unas emociones demasiado automatizadas, hasta convertirse en un pájaro. Desde esta mutación, John Cage nos invita a salir de la jaula, de cualquier jaula, para dejar de ser sordos y ciegos al mundo que nos rodea.
(John Cage preparando un piano, ca. 1964. Cortesía de John Cage Trust. © The John Cage Trust, 2009)
más info....
desuscribir
PENSAR EL PRESENTE. La Casa Encendida/MUSAC
PENSAR EL PRESENTE
Jornadas. La Casa Encendida/MUSAC
16-19 de abril de 2009
El mundo está cambiando deprisa. Son cambios que afectan y afectarán más aún a sus propias estructuras, pues no se trata ya de la llamada “globalización” y las consecuencias de la misma –con frecuencia paradójicas, como es de todos sabido-; ni de los flujos migratorios, las nuevas relaciones de poder o las interferencias culturales de las cuales se hablaba hace apenas un año. Los cambios son ahora tantos y tan insospechados que van ocurriendo mientras reflexionamos sobre los cambios mismos. Nos enfrentamos, de forma colectiva, a un orden que se imaginan nuevo, si bien nadie sabe a ciencia cierta en qué consistirá el futuro. Quizás es precisamente la coyuntura de incertidumbres compartidas lo que debe animarnos a “pensar el presente” y reflexionar también, quién sabe, sobre cómo podría o debería ser el futuro que se desearía construir.
Esa es la idea que persiguen estas jordanas, las que exige una sociedad en transformación como la actual, y que se moverán entre lo global y lo local, la micro y la macropolítica, para plantear hasta qué punto y en una época de crisis la imaginación y las “pequeñas soluciones” nos pueden ofrecer algunas repuestas a las preguntas que desde aquí se tratarán de hacer. A partir de las aportaciones de arquitectos, urbanistas, artistas, escritores, gestores y teóricos, se propone pensar sobre las preocupaciones del presente, las que nos atañen a todos.
PROGRAMA
Jueves 16 de abril. La Casa Encendida.
“Nuevos espacios, otras ciudades”
9.00-10.00 h.
Presentación de las jornadas
José Guirao,director de La Casa Encendida.
Agustín Pérez Rubio, director de MUSAC.
Estrella de Diego, directora de las jornadas.
10.00-12.30 h.
Mesa redonda ”Otras ciudades”: Diébédo Francis Kéré; Estudio Langarita+Navarro; Kyong Park; Armando Silva. Modera Juan Antonio Ramírez.
13.00-14.00 h.
Conferencia de Beatriz Colomina: “Visiones borrosas: La arquitectura de las vigilancias”
17.00-18.30 h.
Diálogo entre Estudio Lacaton&Vassal yLuis FernándezGaliano.
Viernes 17 de abril. La Casa Encendida
“Historias/Relatos”
10.30-11.30 h.
Conferencia de Alan Pauls.
11.30-13.00 h.
Diálogo entre José Luís Blondet y Vasco Araújo
16.30-19.00 h.
Mesa redonda “Testimonios, testigos”:Sergio González; Susan Míeselas; Mohamed Razane. Modera Guillermo Altares
Sábado 18 de abril. La Casa Encendida
“Programas públicos, proyectos educativos, museos”
9.30-10.30 h.
Conferencia de Ivo Mesquita.
10.30-12.00 h.
Mesa redonda “Otros espacios de relfexión artística”: Hu Fang;Isabel García;Ali Y Khadra; José Lebrero. Modera Lynne Cooke.
12:30-14:30 h.
Mesa redonda “Otras formas de programas públicos”: Vít Hávranek; Manuel Olveira; Marketta Sépala. Modera Jordi Balló
Domingo 19 de abril. MUSAC.
“Programas públicos, proyectos educativos, museos”
10.00-11.00 h.
Diálogo entreShirin Neshat yOctavio Zaya
Pensar el presente. Jornadas
Fechas: del 16 al 19 de abril de 2009
Precio
30 € (incluye el desplazamiento en autobús a León y retorno a Madrid)
Nº de plazas
120
Inscripciones
Hasta el 6 de abril.
En La Casa Encendida: de lunes a domingo de11.00 a15.00 h y de17.00 a21.00 h.
También podrán inscribirse a través de www.lacasaencendida.com.
Jornadas. La Casa Encendida/MUSAC
16-19 de abril de 2009
El mundo está cambiando deprisa. Son cambios que afectan y afectarán más aún a sus propias estructuras, pues no se trata ya de la llamada “globalización” y las consecuencias de la misma –con frecuencia paradójicas, como es de todos sabido-; ni de los flujos migratorios, las nuevas relaciones de poder o las interferencias culturales de las cuales se hablaba hace apenas un año. Los cambios son ahora tantos y tan insospechados que van ocurriendo mientras reflexionamos sobre los cambios mismos. Nos enfrentamos, de forma colectiva, a un orden que se imaginan nuevo, si bien nadie sabe a ciencia cierta en qué consistirá el futuro. Quizás es precisamente la coyuntura de incertidumbres compartidas lo que debe animarnos a “pensar el presente” y reflexionar también, quién sabe, sobre cómo podría o debería ser el futuro que se desearía construir.
Esa es la idea que persiguen estas jordanas, las que exige una sociedad en transformación como la actual, y que se moverán entre lo global y lo local, la micro y la macropolítica, para plantear hasta qué punto y en una época de crisis la imaginación y las “pequeñas soluciones” nos pueden ofrecer algunas repuestas a las preguntas que desde aquí se tratarán de hacer. A partir de las aportaciones de arquitectos, urbanistas, artistas, escritores, gestores y teóricos, se propone pensar sobre las preocupaciones del presente, las que nos atañen a todos.
PROGRAMA
Jueves 16 de abril. La Casa Encendida.
“Nuevos espacios, otras ciudades”
9.00-10.00 h.
Presentación de las jornadas
José Guirao,director de La Casa Encendida.
Agustín Pérez Rubio, director de MUSAC.
Estrella de Diego, directora de las jornadas.
10.00-12.30 h.
Mesa redonda ”Otras ciudades”: Diébédo Francis Kéré; Estudio Langarita+Navarro; Kyong Park; Armando Silva. Modera Juan Antonio Ramírez.
13.00-14.00 h.
Conferencia de Beatriz Colomina: “Visiones borrosas: La arquitectura de las vigilancias”
17.00-18.30 h.
Diálogo entre Estudio Lacaton&Vassal yLuis FernándezGaliano.
Viernes 17 de abril. La Casa Encendida
“Historias/Relatos”
10.30-11.30 h.
Conferencia de Alan Pauls.
11.30-13.00 h.
Diálogo entre José Luís Blondet y Vasco Araújo
16.30-19.00 h.
Mesa redonda “Testimonios, testigos”:Sergio González; Susan Míeselas; Mohamed Razane. Modera Guillermo Altares
Sábado 18 de abril. La Casa Encendida
“Programas públicos, proyectos educativos, museos”
9.30-10.30 h.
Conferencia de Ivo Mesquita.
10.30-12.00 h.
Mesa redonda “Otros espacios de relfexión artística”: Hu Fang;Isabel García;Ali Y Khadra; José Lebrero. Modera Lynne Cooke.
12:30-14:30 h.
Mesa redonda “Otras formas de programas públicos”: Vít Hávranek; Manuel Olveira; Marketta Sépala. Modera Jordi Balló
Domingo 19 de abril. MUSAC.
“Programas públicos, proyectos educativos, museos”
10.00-11.00 h.
Diálogo entreShirin Neshat yOctavio Zaya
Pensar el presente. Jornadas
Fechas: del 16 al 19 de abril de 2009
Precio
30 € (incluye el desplazamiento en autobús a León y retorno a Madrid)
Nº de plazas
120
Inscripciones
Hasta el 6 de abril.
En La Casa Encendida: de lunes a domingo de11.00 a15.00 h y de17.00 a21.00 h.
También podrán inscribirse a través de www.lacasaencendida.com.
EL PASADO EN EL PRESENTE_ LABoral
Una exposición donde se convocan fantasmas de memoria a la espera de ser una fuerza social transformadora
03.04.2009 – 29.06.2009
COMISARIO: Juan Antonio Álvarez Reyes
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón
www.laboralcentrodearte.org
La exposición El pasado en el presente y lo propio en lo ajeno busca indagar en cómo los fantasmas de memoria (en palabras de la socióloga Avery F. Gordon) vagan por el presente influyendo en la manera en que lo entendemos y construimos.
ARTISTAS: Fernando Bryce, Maite Centol, Jeremy Deller, Colectivo Escoitar + Enrique Tomas, Andreas Fogarasi, Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto, Susan Hiller, Fiumfoto, Benjamín Menéndez, Tomás Miñambres, Deimantas Narkevicius, Susan Phillipsz, Juan José Pulgar, Martha Rosler, Ángel de la Rubia, Avelino Sala, Hito Steyerl, Lucinda Torre, Jasmila _baníc
más info....
03.04.2009 – 29.06.2009
COMISARIO: Juan Antonio Álvarez Reyes
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón
www.laboralcentrodearte.org
La exposición El pasado en el presente y lo propio en lo ajeno busca indagar en cómo los fantasmas de memoria (en palabras de la socióloga Avery F. Gordon) vagan por el presente influyendo en la manera en que lo entendemos y construimos.
ARTISTAS: Fernando Bryce, Maite Centol, Jeremy Deller, Colectivo Escoitar + Enrique Tomas, Andreas Fogarasi, Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto, Susan Hiller, Fiumfoto, Benjamín Menéndez, Tomás Miñambres, Deimantas Narkevicius, Susan Phillipsz, Juan José Pulgar, Martha Rosler, Ángel de la Rubia, Avelino Sala, Hito Steyerl, Lucinda Torre, Jasmila _baníc
más info....
Conferencia de Rirkrit Tiravanija
EL ARTISTA TAILANDÉS RIRKRIT TIRAVANIJA OFRECE UNA CONFERENCIA EN LA UNIVERSIDAD EUROPEA DE MADRID
Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, 1961), artista de origen tailandés, acudirá el próximo 30 de marzo a la Universidad Europea de Madrid para dar una conferencia a cerca de su nuevo proyecto "The house the cat built". Esta ponencia está organizada por el Área de Arte de la universidad en colaboración con la Fundación ARQ ART y la galería Salvador Díaz de Madrid, en la que se presenta desde Febrero y hasta Julio la nueva obra del artista. "The house the cat built" es un proyecto consistente en la construcción, dentro del espacio de la Galería Salvador Díaz, de una réplica de la casa del artista en Tailandia, en cuyo interior se presentan obras de 14 artistas de reconocido prestigio internacional seleccionadas por el propio Tiravanija. El espacio de la exposición es a su vez sede de celebración de diversos eventos culturales.
Tiravanija produce desde hace más de una década "happenings" en los que el público se implica como parte activa del proceso, cuestionando los límites entre el artista y el espectador, el arte y las actividades cotidianas.
Conferencia de Rirkrit Tiravanija
Fecha: Lunes, 30 de marzo
Hora: 12:30
Lugar: Universidad Europea de Madrid. Campus de Villaviciosa de Odón (Auditorio Edificio A). Calle Tajo, s/n. Urb. El Bosque
Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, 1961), artista de origen tailandés, acudirá el próximo 30 de marzo a la Universidad Europea de Madrid para dar una conferencia a cerca de su nuevo proyecto "The house the cat built". Esta ponencia está organizada por el Área de Arte de la universidad en colaboración con la Fundación ARQ ART y la galería Salvador Díaz de Madrid, en la que se presenta desde Febrero y hasta Julio la nueva obra del artista. "The house the cat built" es un proyecto consistente en la construcción, dentro del espacio de la Galería Salvador Díaz, de una réplica de la casa del artista en Tailandia, en cuyo interior se presentan obras de 14 artistas de reconocido prestigio internacional seleccionadas por el propio Tiravanija. El espacio de la exposición es a su vez sede de celebración de diversos eventos culturales.
Tiravanija produce desde hace más de una década "happenings" en los que el público se implica como parte activa del proceso, cuestionando los límites entre el artista y el espectador, el arte y las actividades cotidianas.
Conferencia de Rirkrit Tiravanija
Fecha: Lunes, 30 de marzo
Hora: 12:30
Lugar: Universidad Europea de Madrid. Campus de Villaviciosa de Odón (Auditorio Edificio A). Calle Tajo, s/n. Urb. El Bosque
Anish Kapoor. Shadow & Etchings
Del 26 de marzo al 30 de abril
Galería La Caja Negra Ediciones
www.lacajanegra.com
La galería La Caja Negra presenta el más reciente trabajo gráfico de Anish Kapoor. Al igual que en su escultura, la obra gráfica de Kapoor fusiona las influencias culturales de Oriente y Occidente generando una obra que explora opuestos primordiales como lo abierto y lo cerrado o la luz y la oscuridad.
Este tema, la oscuridad, es de hecho uno de los motivos centrales en Shadow, una de las series que se muestran en La Caja Negra. Kapoor ha reiterado su interés, ya no por la luz, sino por la oscuridad como ámbito de lo indefinido, de lo ambiguo. El color en Kapoor siempre absorbe la luz y parece emerger de las sombras, de ahí que mantenga siempre esa tensión entre luz y oscuridad, entre opacidad y transparencia. Por otra parte la serie 12 Etchings recupera elementos que evocan sus propios trabajos escultóricos con pigmentos, como las piezas de forma orgánica que remiten a contenedores o los umbrales y puertas, lugares de paso a esa otra dimensión temporal a la que apunta toda su obra.
Galería La Caja Negra Ediciones
www.lacajanegra.com
La galería La Caja Negra presenta el más reciente trabajo gráfico de Anish Kapoor. Al igual que en su escultura, la obra gráfica de Kapoor fusiona las influencias culturales de Oriente y Occidente generando una obra que explora opuestos primordiales como lo abierto y lo cerrado o la luz y la oscuridad.
Este tema, la oscuridad, es de hecho uno de los motivos centrales en Shadow, una de las series que se muestran en La Caja Negra. Kapoor ha reiterado su interés, ya no por la luz, sino por la oscuridad como ámbito de lo indefinido, de lo ambiguo. El color en Kapoor siempre absorbe la luz y parece emerger de las sombras, de ahí que mantenga siempre esa tensión entre luz y oscuridad, entre opacidad y transparencia. Por otra parte la serie 12 Etchings recupera elementos que evocan sus propios trabajos escultóricos con pigmentos, como las piezas de forma orgánica que remiten a contenedores o los umbrales y puertas, lugares de paso a esa otra dimensión temporal a la que apunta toda su obra.
../_COMUNICADO / FEBRERO DE 2009 ||||| Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid ||||| Nuevo cine y arte contemporáneo
ES >
• Los próximos 'Rencontres Internacionales' tendrán lugar en Madrid desde el 16 al 25 de Abril 2009 en el Museo nacional Reina Sofia, el Tabacalera, el Filmoteca Española, el Centro de Arte Dos de Mayo... más >>>
• ///// INAUGURACIÓN - EXPOSICIÓN ///// Jueves 16 de apbril a las 19 h, en el Tabacalera... más >>>
• Acreditaciones Madrid 2008. Solicitud de acreditaciones, hasta el 10 de abril. más >>>
• Convocatoria permanente... más >>>
FR >
• Les prochaines Rencontres Internationales se dérouleront à Madrid du 16 au 25 avril 2009 au Musée national Reina Sofia, à la Tabacalera, à la Cinémathèque Espagnole, au Centro de Arte Dos de Mayo... lire la suite >>>
• ///// OUVERTURE #1 ///// le jeudi 16 avril à 19h à la Tabacalera... lire la suite >>>
• Accréditations Madrid 2009. Demandes ouvertes jusqu'au 10 avril. lire la suite >>>
• Appel à proposition permanent... lire la suite >>>
DE >
• Die nächsten 'Rencontres Internationales' werden vom 16. bis zum 25. April 2009 in Madrid stattfinden. Im Nationalmuseum Reina Sofia, im Tabacalera, im Spanische Kinemathek, im Centro de Arte Dos de Mayo... mehr >>>
• ///// VERNISSAGE DER AUSSTELLUNG ///// Am Donnerstag, den 16. April ab 19Uhr, im Tabacalera... mehr >>>
• Akkreditierung Madrid 2009. Bis zum 10. April. mehr >>>
• Durchgehender Teilnahmeaufruf... mehr >>>
EN >
• The upcoming 'Rencontres Internationales' will take place in Madrid from the 16th to the 25th of April 2009, at the Reina Sofia national museum, the Tabacalera, the Spanish Cinematheque, the Centro de Arte Dos de Mayo... read more>>>
• ///// EXHIBITION OPENING ///// Thursday, April 16th, from 7pm at the Tabacalera... read more >>>
• Pass/accreditation Madrid 2009: application until April 10. read more >>>
• Permanent call for entries... read more >>>
CN/IT >
Main information in other languages > Chinese > Italian
MENOSUNO
//////////// ///////// ///////// ///////// ///////// ///////// ///////// /////// MENOSUNO //
Del 31 de Marzo al 12 de Abril
CREAMOS EN CRISIS Y NO CREEMOS EN CRISIS
de Clan de Bichos
en Espacio Menosuno
3 COSAS PARA HACER
. Laboratorio práctico de acciones escénicas urgentes ISTAS
. Taller de Eneagrama para la creación de personajes
. Workshop intensivo de Teatro de Objetos
4 COSAS PARA VER:
. MUTANTE Exposición retrospectiva de CLAN DE BICHOS.
. DADA MADRID Happenings, performances e instalaciones.
. Cumpleaños mamá Reality Show Esperpéntico de 60hs de duración.
. TODO A CIEN Subasta Total
Dos semanas intensas para conocer la propuesta artística de CLAN DE BICHOS.
. Talleres, espectáculos, instalaciones, videoproyeccione s, performances, hapenings, títeres y teatro de objetos son el marco para encontrarse con futuros bichos/as del CLAN.
X 1 ABRIL:17:00 h a 21:00 h
LABORATORIO ISTAS
J 2 ABRIL: 11:00 a 14:00
Ensayos del Laboratorio Istas
17:00 h a 21:00 h LABORATORIO ISTAS
V 3 ABRIL: 11:00 a 14:00h:
Ensayos del Laboratorio Istas
17:00 h a 20:00 h LABORATORIO ¿ISTAS?
21:00 h: Inauguración DADÁ MADRID (Primera Parte)
Procesión por Malasaña y Desembarco en Espacio Menosuno de todos los artistas que participan en ISTAS. Performances individuales y colectivas con público.
S 4 ABRIL: 17: 00 a 20:00 h
TALLER: El Eneagrama: El miedo y el personaje (1)
21:00 h. Cabaret DADÁ MADRID (Segunda Parte)
D 5 ABRIL: 17:00 a 20:00 h
El Eneagrama: El miedo y el personaje
L 6, M 7 Y X 8 ABRIL: 10:00 a 22h;
Andrés prepara el cumpleaños de su mamá (Reality Show Esperpéntico)
21 h CUMPLEAÑOS DE MAMÁ (Andrés festeja el cumpleaños de su mamá)
J 9 ABRIL: 17:00 a 21:00 h:
WORKSHOP DE TEATRO DE OBJETOS
V 10 ABRIL: 21:00 h.
CABARET DADÁ MADRID
S 11 ABRIL: 17:00 A 21:00 h.
WORKSHOP DE TEATRO DE OBJETOS
21:00 h. CABARET DADÁ MADRID.
D 12 ABRIL: 19:0O h. TODO A CIEN Una subasta surrealista y pública de algunas de las obras generadas en ISTAS a precios delirantes.( muy baratos o extremadamente caros)
21:00 h. Brindis despedida
Espacio Menosuno
la palma, 28 (Tribunal-Madrid)
+ info:
ver programa completo
www.espaciomenosuno .com
Del 31 de Marzo al 12 de Abril
CREAMOS EN CRISIS Y NO CREEMOS EN CRISIS
de Clan de Bichos
en Espacio Menosuno
3 COSAS PARA HACER
. Laboratorio práctico de acciones escénicas urgentes ISTAS
. Taller de Eneagrama para la creación de personajes
. Workshop intensivo de Teatro de Objetos
4 COSAS PARA VER:
. MUTANTE Exposición retrospectiva de CLAN DE BICHOS.
. DADA MADRID Happenings, performances e instalaciones.
. Cumpleaños mamá Reality Show Esperpéntico de 60hs de duración.
. TODO A CIEN Subasta Total
Dos semanas intensas para conocer la propuesta artística de CLAN DE BICHOS.
. Talleres, espectáculos, instalaciones, videoproyeccione s, performances, hapenings, títeres y teatro de objetos son el marco para encontrarse con futuros bichos/as del CLAN.
X 1 ABRIL:17:00 h a 21:00 h
LABORATORIO ISTAS
J 2 ABRIL: 11:00 a 14:00
Ensayos del Laboratorio Istas
17:00 h a 21:00 h LABORATORIO ISTAS
V 3 ABRIL: 11:00 a 14:00h:
Ensayos del Laboratorio Istas
17:00 h a 20:00 h LABORATORIO ¿ISTAS?
21:00 h: Inauguración DADÁ MADRID (Primera Parte)
Procesión por Malasaña y Desembarco en Espacio Menosuno de todos los artistas que participan en ISTAS. Performances individuales y colectivas con público.
S 4 ABRIL: 17: 00 a 20:00 h
TALLER: El Eneagrama: El miedo y el personaje (1)
21:00 h. Cabaret DADÁ MADRID (Segunda Parte)
D 5 ABRIL: 17:00 a 20:00 h
El Eneagrama: El miedo y el personaje
L 6, M 7 Y X 8 ABRIL: 10:00 a 22h;
Andrés prepara el cumpleaños de su mamá (Reality Show Esperpéntico)
21 h CUMPLEAÑOS DE MAMÁ (Andrés festeja el cumpleaños de su mamá)
J 9 ABRIL: 17:00 a 21:00 h:
WORKSHOP DE TEATRO DE OBJETOS
V 10 ABRIL: 21:00 h.
CABARET DADÁ MADRID
S 11 ABRIL: 17:00 A 21:00 h.
WORKSHOP DE TEATRO DE OBJETOS
21:00 h. CABARET DADÁ MADRID.
D 12 ABRIL: 19:0O h. TODO A CIEN Una subasta surrealista y pública de algunas de las obras generadas en ISTAS a precios delirantes.( muy baratos o extremadamente caros)
21:00 h. Brindis despedida
Espacio Menosuno
la palma, 28 (Tribunal-Madrid)
+ info:
ver programa completo
www.espaciomenosuno .com
ACTIVIDADES CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO
ABRIL: PROGRAMA DE ACTIVIDADES CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda de la Constitución, 23
28931 Móstoles, Madrid
centrodeartedosdemayo@madrid.org
www.madrid.org/ca2m
Sesión abierta de Mapear Madrid. Tipologías y Perfiles Profesionales en el sector de la producción madrileña. Martes 7 de abril a las 19:00 / Fin de semana especial de los Rencontres Internationales en CA2M. Sábado 18 y domingo 19 de abril / Imaginar_Historiar. XVI Jornadas de la Imagen. Forum CA2M. Ampliada convocatoria de proyectos hasta el 4 de mayo / Curso Photoespaña de Edición de Libros. Del 23 al 25 de abril / Ciclo de Cine alemán. Del 24 de abril al 15 de mayo / Ratas en el Instituto. Actividad educativa para centros de Educación Secundaria en torno a la exposición de Bestué/Vives: Cisnes y ratas. Hasta el 30 de abril / Mínimos. Actividad para familias. Sábados y domingos a las 12:00 / EXPOSICIONES TEMPORALES: David Bestué/Marc Vives: cisnes y ratas -Hasta el 3 de mayo-; Leopold Kessl e! r -Hasta el 3 de mayo- / COLECCIÓN I
CA2M Centro de Arte Dos de Mayo
Avda de la Constitución, 23
28931 Móstoles, Madrid
centrodeartedosdemayo@madrid.org
www.madrid.org/ca2m
Sesión abierta de Mapear Madrid. Tipologías y Perfiles Profesionales en el sector de la producción madrileña. Martes 7 de abril a las 19:00 / Fin de semana especial de los Rencontres Internationales en CA2M. Sábado 18 y domingo 19 de abril / Imaginar_Historiar. XVI Jornadas de la Imagen. Forum CA2M. Ampliada convocatoria de proyectos hasta el 4 de mayo / Curso Photoespaña de Edición de Libros. Del 23 al 25 de abril / Ciclo de Cine alemán. Del 24 de abril al 15 de mayo / Ratas en el Instituto. Actividad educativa para centros de Educación Secundaria en torno a la exposición de Bestué/Vives: Cisnes y ratas. Hasta el 30 de abril / Mínimos. Actividad para familias. Sábados y domingos a las 12:00 / EXPOSICIONES TEMPORALES: David Bestué/Marc Vives: cisnes y ratas -Hasta el 3 de mayo-; Leopold Kessl e! r -Hasta el 3 de mayo- / COLECCIÓN I
jueves, marzo 26, 2009
Curso de verano en Belgica
Dear all,
As already announced, the DIAC Summer School “Democracy, Inclusion and Active Citizenschip” will take place in Antwerp (Belgium) from 6 until 17 July 2009.
This school is the last in the 3-years’ cycle and the theme is ‘Contesting Democracy’: how can a democracy defend itself without losing its democratic character?
The first week of the school will be in Antwerp, in the university buildings located in the city centre. In the second week the school will move to Alden Biesen, a conference venue/cultural centre of the Flemish Community (see www.alden-biesen.be)
All information including the application form is available on the website www.undiac.eu.
Posters have been sent to you. You find the brochure, application form and poster also in attachment.
Please distribute the information as widely as possible in order to attract the most suitable candidates.
Deadline for students : 27 April 2009.
Please send the names shortly after selection by email to mieke.briels@ua.ac.be at the faculty of Law.
Kind regards,
Patricia De Clopper
Interesados contactar con Raúl (dirección de mail de la facultad)
As already announced, the DIAC Summer School “Democracy, Inclusion and Active Citizenschip” will take place in Antwerp (Belgium) from 6 until 17 July 2009.
This school is the last in the 3-years’ cycle and the theme is ‘Contesting Democracy’: how can a democracy defend itself without losing its democratic character?
The first week of the school will be in Antwerp, in the university buildings located in the city centre. In the second week the school will move to Alden Biesen, a conference venue/cultural centre of the Flemish Community (see www.alden-biesen.be)
All information including the application form is available on the website www.undiac.eu.
Posters have been sent to you. You find the brochure, application form and poster also in attachment.
Please distribute the information as widely as possible in order to attract the most suitable candidates.
Deadline for students : 27 April 2009.
Please send the names shortly after selection by email to mieke.briels@ua.ac.be at the faculty of Law.
Kind regards,
Patricia De Clopper
Interesados contactar con Raúl (dirección de mail de la facultad)
lunes, marzo 16, 2009
PROPUESTAS 2009 - LA FUNDACIÓN ARTE Y DERECHO DESTINA 100.000 EUROS EN AYUDAS DIRECTAS A LOS CREADORES VISUALES
La Fundación Arte y Derecho destina 100.000 EUROS a la financiación de proyectos y a la divulgación de obras ya creadas.
Cinco categorías: PLÁSTICA – ILUSTRACIÓN – DISEÑO – FOTOGRAFíA – NUEVAS TECNOLOGÍAS
Fecha límite: 15 de ABRIL de 2009
Bases en www.arteyderecho.org
El propósito de nuestras ayudas es financiar proyectos creativos de aquellos autores que se expresan a través de la creación visual o financiar la divulgación de obras que ya han sido creadas. Las ayudas se distribuirán en cinco categorías: Artes plásticas, Fotografía, Diseño, Ilustración y nuevas tecnologías.
El plazo de presentación y entrega de las solicitudes finalizará el 15 de abril de 2009
La dotación total de la convocatoria asciende a 100.000 € y se distribuirá a razón de 20.000 euros para premiar cada una de las categorías
Todos los proyectos que se financien tendrán que ser ejecutados antes del 1 de diciembre del año 2009.
Cinco categorías: PLÁSTICA – ILUSTRACIÓN – DISEÑO – FOTOGRAFíA – NUEVAS TECNOLOGÍAS
Fecha límite: 15 de ABRIL de 2009
Bases en www.arteyderecho.org
El propósito de nuestras ayudas es financiar proyectos creativos de aquellos autores que se expresan a través de la creación visual o financiar la divulgación de obras que ya han sido creadas. Las ayudas se distribuirán en cinco categorías: Artes plásticas, Fotografía, Diseño, Ilustración y nuevas tecnologías.
El plazo de presentación y entrega de las solicitudes finalizará el 15 de abril de 2009
La dotación total de la convocatoria asciende a 100.000 € y se distribuirá a razón de 20.000 euros para premiar cada una de las categorías
Todos los proyectos que se financien tendrán que ser ejecutados antes del 1 de diciembre del año 2009.
miércoles, marzo 11, 2009
The Z day in Madrid!
Zeitgeist Movement
Día 15 de marzo
16h. Concentración en el lago del retiro. Debates, coloquios, speaking corners, con diversas líneas de trabajo – eco-aldeas, ONG´s, publicidad desleal, gasto y basura…
19h. Sala Off limits. Visionado del documental “zeitgeist addendum”, debate y brainstorming con el invernadero de lavapies
HYPERLINK "http://www.elinvernaderodelavapies.blogspot.com" www.elinvernaderodelavapies.blogspot.com para visualizar el movimiento a través de acciones callejeras. Formalizar grupos de trabajo para seguir trabajando en esta línea para hacer visible el movimiento.
Aforo limitado, solo se puede asistir confirmando asistencia en invernadero.lavapies@gmail.com
HYPERLINK "FOTOS%20YESS!/i%20love%20la%20crisis/ojo%20con%20funda.png"
Si ya conoces el movimiento Zeitgeist, el día Z es cuando en todo el mundo se realizaran reuniones para reflexionar sobre este movimiento
¿Qué todavía no conoces zeitgeist?, es imposible explicarlo en dos líneas, algunas ideas generales:
El dinero es una invención humana, creado en una época primitiva, para administrar la escasez. Así surgió la economía y la política como una forma de administrar la economía. El dinero era necesario para administrar los recursos escasos. A día de hoy, esa escasez es artificial, provocada por los grandes bancos y multinacionales
El sistema esta basado en la escasez, que nos obliga a enfrentarnos unos a otros para asegurarnos nuestra propia subsistencia en lugar de colaborar para relacionarnos mejor con todo lo que nos rodea.
Ante la proliferación de las armas de destrucción masiva, pretendemos fomentar la idea de las armas de creación masiva y globalización bien entendida
En cualquier caso, como es lógico, no pretendemos imponer un modelo alternativo de sistema. Aclaramos, que cada uno de nosotros tenemos una idea acerca de la veracidad de lo que en los documentales se expone y acerca de cómo pensamos que debería ser el mundo.
Nuestro propósito pretende una revolución en la conciencia individual de cada persona, no pretendemos vender un producto, sino un proceso que nos lleve a mejores logros.
Se trata de sacar a la luz lo que el sistema no quiere que veamos, despertar en la conciencia individual de cada persona, que es posible que la percepción que tenemos del mundo sea artificial y fruto del actual sistema financiero y abrir un debate acerca de si las cosas tienen que ser forzosamente como hoy son.
El objetivo del Z day es juntarnos, conocernos y organizarnos cara al futuro para concienciar sobre esta línea de pensamiento. Abrir un debate acerca de qué es utópico y por qué
Si quieres más información, lo mejor es que visites la Web del movimiento HYPERLINK "http://www.thezeitgeistmovement.com" http://www.thezeitgeistmovement.com
O que veas su primer documental, si todavía no la has visto, es del 2007
HYPERLINK "http://video.google.com/videoplay?docid=8883910961351786332" http://video.google.com/videoplay?docid=8883910961351786332
El último documental Zeitgeist addendum, lo puedes ver en:
HYPERLINK "http://video.google.es/videoplay?docid=-6106699751525260052&ei=hwwYSdavHoKg2gLYiqDNDQ&q=zeitgeist+addendum+espa%C3%B1ol&dur=3" http://video.google.es/videoplay?docid=-6106699751525260052&ei=hwwYSdavHoKg2gLYiqDNDQ&q=zeitgeist+addendum+espa%C3%B1ol&dur=3
The Z day in Madrid!
Zeitgeist movement
Día 15 de marzo
16h. Concentración en el lago del retiro. Debates, coloquios, speaking corners, con diversas líneas de trabajo – eco-aldeas, ONG´s, publicidad desleal, gasto y basura…
19h. Sala Off limits. Visionado del documental “zeitgeist addendum”, debate y brainstorming con el invernadero de lavapies
HYPERLINK "http://www.elinvernaderodelavapies.blogspot.com" www.elinvernaderodelavapies.blogspot.com para visualizar el movimiento a través de acciones callejeras. Formalizar grupos de trabajo para seguir trabajando en esta línea para hacer visible el movimiento.
Aforo limitado, solo se puede asistir confirmando asistencia en invernadero.lavapies@gmail.com
HYPERLINK "FOTOS%20YESS!/i%20love%20la%20crisis/ojo%20con%20funda.png"
Si ya conoces el movimiento Zeitgeist, el día Z es cuando en todo el mundo se realizaran reuniones para reflexionar sobre este movimiento
¿Qué todavía no conoces zeitgeist?, es imposible explicarlo en dos líneas, algunas ideas generales:
El dinero es una invención humana, creado en una época primitiva, para administrar la escasez. Así surgió la economía y la política como una forma de administrar la economía. El dinero era necesario para administrar los recursos escasos. A día de hoy, esa escasez es artificial, provocada por los grandes bancos y multinacionales
El sistema esta basado en la escasez, que nos obliga a enfrentarnos unos a otros para asegurarnos nuestra propia subsistencia en lugar de colaborar para relacionarnos mejor con todo lo que nos rodea.
Ante la proliferación de las armas de destrucción masiva, pretendemos fomentar la idea de las armas de creación masiva y globalización bien entendida
En cualquier caso, como es lógico, no pretendemos imponer un modelo alternativo de sistema. Aclaramos, que cada uno de nosotros tenemos una idea acerca de la veracidad de lo que en los documentales se expone y acerca de cómo pensamos que debería ser el mundo.
Nuestro propósito pretende una revolución en la conciencia individual de cada persona, no pretendemos vender un producto, sino un proceso que nos lleve a mejores logros.
Se trata de sacar a la luz lo que el sistema no quiere que veamos, despertar en la conciencia individual de cada persona, que es posible que la percepción que tenemos del mundo sea artificial y fruto del actual sistema financiero y abrir un debate acerca de si las cosas tienen que ser forzosamente como hoy son.
El objetivo del Z day es juntarnos, conocernos y organizarnos cara al futuro para concienciar sobre esta línea de pensamiento. Abrir un debate acerca de qué es utópico y por qué
Si quieres más información, lo mejor es que visites la Web del movimiento HYPERLINK "http://www.thezeitgeistmovement.com" http://www.thezeitgeistmovement.com
O que veas su primer documental, si todavía no la has visto, es del 2007
HYPERLINK "http://video.google.com/videoplay?docid=8883910961351786332" http://video.google.com/videoplay?docid=8883910961351786332
El último documental Zeitgeist addendum, lo puedes ver en:
HYPERLINK "http://video.google.es/videoplay?docid=-6106699751525260052&ei=hwwYSdavHoKg2gLYiqDNDQ&q=zeitgeist+addendum+espa%C3%B1ol&dur=3" http://video.google.es/videoplay?docid=-6106699751525260052&ei=hwwYSdavHoKg2gLYiqDNDQ&q=zeitgeist+addendum+espa%C3%B1ol&dur=3
The Z day in Madrid!
Zeitgeist movement
viernes, marzo 06, 2009
PERFORMANCE. 12 Y 13 DE MARZO DE 2009 EN SALA REKALDE.
sala rekalde e If I Can’t Dance, I Don’t Want To Be Part Of Your Revolution presentan III Edición. La Mascarada. El segundo episodio de este proyecto consta de una presentación, expuesta en El Gabinete Abstracto hasta el 19 de abril, y un programa de performances los días 12 y 13 de marzo.
www.salarekalde.bizkaia.net
En el programa de performances se incluyen distintas aproximaciones al momento en vivo, a la interpelación al público y al esclarecimiento de la noción de lugar.
A lo largo de diez días Jon Mikel Euba llevará a cabo un experimento de trabajo aislado junto a estudiantes de la Universidad del País Vasco y a otros artistas jóvenes de Bilbao. En la performance que Suchan Kinoshita desarrollará para los asistentes se abordará la naturaleza performativa del espacio de arte. Keren Cytter presentará una performance teatral en torno a los roles y tipos cambiantes de la adscripción sexual. Sarah Pierce profundizará en los potenciales de actuación de las congregaciones humanas, mientras que Joachim Koester se centrará en los gestos del individuo. Olivier Foulon narrará una historia acerca de la pintura y los modelos y máscaras que genera.
JUEVES 12 DE MARZO
Performance de Suchan Kinoshita en horario de apertura de la sala, 11:00h-14:00h/ 17:00h-20:30h.
Performance de Keren Cytter , 18:00h, Centro Cívico San Frrancisco.
Presentación de la obra de Olivier Foulon y Sarah Pierce, 19:00h, sala rekalde.
una historia acerca de la pintura y los modelos y máscaras que genera.
VIERNES 13 DE MARZO
Performance de Suchan Kinoshita en horario de apertura de la sala, 11:00h-14:00h/ 17:00h-20:30h.
Performance de Keren Cytter, 19:00h, Centro Cívico San Francisco.
Presentación de la obra de Joachim Koester, 20:00h, sala rekalde.
Fiesta y acción de pared de la mano del colectivo Soytomboi en colaboración con Savage Girl, 23:00h en la sala Titanio.
(©Keren Cytter Hablar en lenguas(2008). Video parte de la obra. History in the making (La Historia en tiempo presente). sala rekalde, Bilbao. Fotografía: Begoña Zubero)
www.salarekalde.bizkaia.net
En el programa de performances se incluyen distintas aproximaciones al momento en vivo, a la interpelación al público y al esclarecimiento de la noción de lugar.
A lo largo de diez días Jon Mikel Euba llevará a cabo un experimento de trabajo aislado junto a estudiantes de la Universidad del País Vasco y a otros artistas jóvenes de Bilbao. En la performance que Suchan Kinoshita desarrollará para los asistentes se abordará la naturaleza performativa del espacio de arte. Keren Cytter presentará una performance teatral en torno a los roles y tipos cambiantes de la adscripción sexual. Sarah Pierce profundizará en los potenciales de actuación de las congregaciones humanas, mientras que Joachim Koester se centrará en los gestos del individuo. Olivier Foulon narrará una historia acerca de la pintura y los modelos y máscaras que genera.
JUEVES 12 DE MARZO
Performance de Suchan Kinoshita en horario de apertura de la sala, 11:00h-14:00h/ 17:00h-20:30h.
Performance de Keren Cytter , 18:00h, Centro Cívico San Frrancisco.
Presentación de la obra de Olivier Foulon y Sarah Pierce, 19:00h, sala rekalde.
una historia acerca de la pintura y los modelos y máscaras que genera.
VIERNES 13 DE MARZO
Performance de Suchan Kinoshita en horario de apertura de la sala, 11:00h-14:00h/ 17:00h-20:30h.
Performance de Keren Cytter, 19:00h, Centro Cívico San Francisco.
Presentación de la obra de Joachim Koester, 20:00h, sala rekalde.
Fiesta y acción de pared de la mano del colectivo Soytomboi en colaboración con Savage Girl, 23:00h en la sala Titanio.
(©Keren Cytter Hablar en lenguas(2008). Video parte de la obra. History in the making (La Historia en tiempo presente). sala rekalde, Bilbao. Fotografía: Begoña Zubero)
FESTIVAL INTERNACIONAL ZEMOS98 11 EDICIÓN. EDUCACIÓN EXPANDIDA
LA EDUCACIÓN PUEDE SUCEDER EN CUALQUIER MOMENTO, EN CUALQUIER LUGAR.
Del 22 al 28 de Marzo de 2009 - Sevilla
SIMPOSIO EDUCACIÓN EXPANDIDA: conferencias, talleres y presentaciones y debates de proyectos
CONCIERTOS: conciertos y espectáculos audiovisuales
PROGRAMACIÓN AUDIOVISUAL: proyecciones y presentaciones
Produce: Zemos98 – Gestión Creativo Cultural
www.zemos98.org
www.educacionexpandida.org
El Festival Internacional ZEMOS98 acaba de presentar la programación que formará parte de su 11 edición y que lleva por título Educación Expandida: un programa repleto de propuestas que entienden el diálogo como una manera de construir la cultura contemporánea.
El Festival Internacional ZEMOS98 hablará de educación, tema que siempre ha sido muy importante para esta iniciativa, ya que entienden que es un tema transversal que afecta y se interrelaciona con la cultura, la comunicación y la red. Además del espacio de reflexión que se plantea en torno al Simposio Educación Expandida, (que recoge conferencias, talleres y presentaciones y debates de proyectos), el Festival Internacional ZEMOS98 continúa programando conciertos, conciertos audiovisuales y proyecciones que reflejan el estado de salud del audiovisual contemporáneo (gracias a la Sección Oficial, al Día del Vídeo Expandido, y Remix,las representaciones)
Del 22 al 28 de Marzo de 2009 - Sevilla
SIMPOSIO EDUCACIÓN EXPANDIDA: conferencias, talleres y presentaciones y debates de proyectos
CONCIERTOS: conciertos y espectáculos audiovisuales
PROGRAMACIÓN AUDIOVISUAL: proyecciones y presentaciones
Produce: Zemos98 – Gestión Creativo Cultural
www.zemos98.org
www.educacionexpandida.org
El Festival Internacional ZEMOS98 acaba de presentar la programación que formará parte de su 11 edición y que lleva por título Educación Expandida: un programa repleto de propuestas que entienden el diálogo como una manera de construir la cultura contemporánea.
El Festival Internacional ZEMOS98 hablará de educación, tema que siempre ha sido muy importante para esta iniciativa, ya que entienden que es un tema transversal que afecta y se interrelaciona con la cultura, la comunicación y la red. Además del espacio de reflexión que se plantea en torno al Simposio Educación Expandida, (que recoge conferencias, talleres y presentaciones y debates de proyectos), el Festival Internacional ZEMOS98 continúa programando conciertos, conciertos audiovisuales y proyecciones que reflejan el estado de salud del audiovisual contemporáneo (gracias a la Sección Oficial, al Día del Vídeo Expandido, y Remix,las representaciones)
Fstival LP’09 dansa...o no. Barcelona, del 6 al 21 de marzo.
Organiza La Porta
lugares: Mercat de les Flors, CCCB, La Poderosa, Conservas y San Rafael14
(Barcelona)
fechas: del 6 al 21 de marzo
www.laportabcn.com
17 días ininterrumpidos de programación con más de 50 propuestas de creación actual en torno al cuerpo: obras escénicas, acciones, instalaciones, proyecciones, encuentros y otras experiencias limítrofes que investigan la noción de juego, movimiento y teatralidad.
LP’0 dansa..o no, todo un programa con Mauricio González, Vera Mantero, Angélica Liddell, Félix Fernández, Juan Navarro / Javier Corcobado, Alejandra Pombo, Teo Baró, Roger Bernat, Ariadna Estalella, Bea Fernández, Aimar Pérez Galí / Ricardo Santana / Guillem Mont De Palol ,Cecilia Vallejos, Norberto Llopis, Silvia Sant Funk, João Costa Lima / Cecilia Colacrai, Maria Montseny / Anna Rubirola, Carla Fernández / Olatz De Andrés, Masu Fajardo, deepblue, Paula Caspão / Valentina Desideri, Vincent Dunoyer, Patrícia Portela, Olga Mesa, Ivana Müller, Cuqui Jerez, María Jerez, Juan Domínguez, Montse Penela, Aggtelek, Annika Larsson, Rubén Santiago, Alejandro Vidal, Nicola Unger, Elena Albert y Carmelo Salazar.
lugares: Mercat de les Flors, CCCB, La Poderosa, Conservas y San Rafael14
(Barcelona)
fechas: del 6 al 21 de marzo
www.laportabcn.com
17 días ininterrumpidos de programación con más de 50 propuestas de creación actual en torno al cuerpo: obras escénicas, acciones, instalaciones, proyecciones, encuentros y otras experiencias limítrofes que investigan la noción de juego, movimiento y teatralidad.
LP’0 dansa..o no, todo un programa con Mauricio González, Vera Mantero, Angélica Liddell, Félix Fernández, Juan Navarro / Javier Corcobado, Alejandra Pombo, Teo Baró, Roger Bernat, Ariadna Estalella, Bea Fernández, Aimar Pérez Galí / Ricardo Santana / Guillem Mont De Palol ,Cecilia Vallejos, Norberto Llopis, Silvia Sant Funk, João Costa Lima / Cecilia Colacrai, Maria Montseny / Anna Rubirola, Carla Fernández / Olatz De Andrés, Masu Fajardo, deepblue, Paula Caspão / Valentina Desideri, Vincent Dunoyer, Patrícia Portela, Olga Mesa, Ivana Müller, Cuqui Jerez, María Jerez, Juan Domínguez, Montse Penela, Aggtelek, Annika Larsson, Rubén Santiago, Alejandro Vidal, Nicola Unger, Elena Albert y Carmelo Salazar.
COMEDIA_ESTRATEGIAS ECOLÓGICAS EN EL ARTE ACTUAL
Comisarias: Sabine Himmelsbach, Karin Ohlenschläger e Yvonne Volkart.
HASTA EL 26 DE ABRIL 2009
SALA PARPALLÓ-NUEVOS MEDIOS
Programación: Ángela Molina F.
www.salaparpallo.es
La Sala Parpalló de Valencia acoge “Ecomedia_Estrategias Ecológicas en el Arte Actual”, una muestra que reúne 18 obras entre vídeo, fotografía, esculturas robóticas, instalaciones interactivas y proyectos de net.art, de ámbito nacional e internacional. El objetivo de esta exposición es profundizar, a través del arte, la ciencia y la tecnología en las cuestiones ecológicas que afectan a la cultura actual. Enfocada hacia los nuevos retos medioambientales, se plantean proyectos artísticos, que conectan el desarrollo tecnológico, los actuales medios de comunicación y los llamados sistemas "naturales" como el clima, el agua y los terremotos, que abren un nuevo escenario de diálogo entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. Durante los próximos días 4 y 5 de marzo artistas, científicos y activistas nacionales e internacionales, participan en un seminario en torno a Ecomedia...
HASTA EL 26 DE ABRIL 2009
SALA PARPALLÓ-NUEVOS MEDIOS
Programación: Ángela Molina F.
www.salaparpallo.es
La Sala Parpalló de Valencia acoge “Ecomedia_Estrategias Ecológicas en el Arte Actual”, una muestra que reúne 18 obras entre vídeo, fotografía, esculturas robóticas, instalaciones interactivas y proyectos de net.art, de ámbito nacional e internacional. El objetivo de esta exposición es profundizar, a través del arte, la ciencia y la tecnología en las cuestiones ecológicas que afectan a la cultura actual. Enfocada hacia los nuevos retos medioambientales, se plantean proyectos artísticos, que conectan el desarrollo tecnológico, los actuales medios de comunicación y los llamados sistemas "naturales" como el clima, el agua y los terremotos, que abren un nuevo escenario de diálogo entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. Durante los próximos días 4 y 5 de marzo artistas, científicos y activistas nacionales e internacionales, participan en un seminario en torno a Ecomedia...
sábado, febrero 07, 2009
REPORTAJE: ARCO 2009 – Entrevista - Riguroso absurdo (Esther Ferrer)
REPORTAJE: ARCO 2009 – Entrevista - Riguroso absurdo (Esther Ferrer)
FIETTA JARQUE 07/02/2009
http://www.elpais.com/articulo/semana/Riguroso/absurdo/elpepuculbab/20090207elpbabese_3/Tes
Esther Ferrer, premio nacional de Artes Plásticas 2008, creadora radicalmente independiente, ha dedicado más de cuatro décadas a la performance. Es la artista del stand de EL PAÍS en Arco
"La poesía debe ser seca, como la leña, para que arda bien", decía Octavio Paz. Y la dimensión poética en la obra de Esther Ferrer es así. Sobria, austera, minimalista, abstracta, ascética, dura, pero también leve, frágil, efímera, con un ligero perfume de ideas difusas que pervive en la memoria. Fuego y humo. Luego cenizas. Cenizas vanguardistas. Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) lleva más de cuatro décadas dedicada al arte de crear situaciones insólitas. Las performances, que conocen hoy un nuevo auge, se llamaban acciones o happenings en 1967, cuando ella empezó. "El término que utilizábamos, en realidad, era teatro musical", recuerda. "Para nosotros, todo lo que hacíamos era música, en el sentido cageano del término", dice, aludiendo al compositor que redefinió el silencio. "John Cage piensa que si olvidáramos todo lo que nos han enseñado que es música, toda la vida se convertiría en música".
"La 'performance' es un híbrido, un hijo natural. Nadie sabe quién es su padre y su madre, aunque muchos lo reivindican"
En su piso de París hay un gran piano que cuesta descubrir detrás de todos los cuadros embalados que esperan para ser enviados a Madrid para su exposición en el stand de EL PAÍS en Arco. "Prometimos no invadir el salón, la zona común de la casa, con nuestros trabajos (su marido, Tom Johnson, es compositor), pero estos días ha sido inevitable", admite con resignación. Es un bajo en un antiguo edificio, con un luminoso patio de carruajes empedrado. Ferrer sube las escaleras hasta su estudio con una energía y una velocidad envidiables a sus 71 años. Es delgada, fibrosa, conversadora. Las dos habitaciones donde trabaja son pequeñas y están llenas de objetos, cajas, dibujos, libros. "Tom y yo todos los años elegimos los libros que no vamos a leer más y los sacamos a la puerta para que los cojan", dice. "No me gusta tener. No me gusta poseer objetos. Me gustaría tener menos. Con tener un techo me basta. Acumulo sólo obras de arte porque no me queda más remedio. Compro pocas cosas, ni ropa, ni nada. Comprar no me produce satisfacción ni seguridad. No me aporta nada. Consumir no me va a quitar la angustia de vivir, así es que para qué lo voy a hacer".
El año pasado recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. Un reconocimiento a la discreta y consecuente trayectoria de esta creadora de lo mínimo.
"Suelo decir que mi trabajo es un minimalismo basado en el rigor del absurdo", explica. "A mí me gusta mucho trabajar el absurdo, hacer las cosas muy simples. Cuando me pongo a pensar una performance, me paso el día quitando. No digo que sea una depuración, pero sí consiste en extraer todo lo superfluo, el adorno. No pretendo gratificar al espectador. Mi trabajo es muy seco muchas veces, más que sobrio. Y me gusta mucho el rococó y el barroco, pero para que lo hagan los otros. Incluso el expresionismo me interesa mucho como espectadora. Quiero que en lo mío todo salga de forma natural, casi solo. Como los números, 1, 2, 3? son maravillosos. No hay ningún drama. El drama, si quiere, se lo añade el que lo ve".
No debe haber resultado fácil empezar a cultivar algo tan radicalmente transgresor como las performances a mediados de los años sesenta en la España franquista. Se unió al grupo ZAJ, formado por el artista canario Juan Hidalgo, el músico italiano Walter Marchetti y algunos otros, que después dejaron el proyecto. "Por entonces yo estudiaba periodismo en Pamplona, en la universidad del Opus, de donde me echaron en 1968", recuerda. "José Antonio Sistiaga y yo habíamos creado el Taller de Libre Expresión Infantil en San Sebastián. Fue él quien me dijo que vendrían unos amigos suyos, llamados ZAJ, y que estaban buscando a una mujer para el grupo. Al final de la acción me pidieron que me uniera a ellos".
ZAJ empezó sus actividades hace 50 años, en 1959. Orientado más hacia la música de acción, instigaba la participación multidisciplinar. Desde la incorporación de Esther Ferrer, ZAJ se convierte en un trío y continúa haciendo sus acciones hasta 1996. Ese año el Museo Reina Sofía les dedicó una retrospectiva. Esta semana se acaba de inaugurar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid una exposición ZAJ de la colección de Francesco Conz.
Los escándalos y el desconcierto formaban parte de su estela. Hubo abucheos e indignación, por ejemplo, cuando se presentaron en Madrid, y el concierto anunciado consistió en una persona comiéndose una manzana en el escenario. Puro Cage. "Para hacer performance en esa época había que tener aguante. Aceptar que la gente, incluso la gente seria y cercana al arte, pensara que estábamos locos", afirma Ferrer. "Para un artista que quería ser respetable la forma de no conseguirlo era haciendo performance. A Juan y Walter, y a mí, nos importaba muy poco la imagen que dábamos o cómo podían considerarnos los otros".
En esos años realizó acciones como Íntimo e impersonal que, en una crítica a los concursos de belleza, consistía en medir su propio cuerpo o el de otras personas e ir diciendo las medidas en voz alta. Entre las más recientes está 1.863, presentada al año pasado en Madrid. La noticia de que 1.863 inmigrantes habían perdido la vida al intentar entrar en la Unión Europea, la llevó a pedir la participación de una veintena de personas que fueron contando lentamente las cifras hasta llegar a ese número. Después hubo un minuto de silencio. "Soy emigrante yo también", dice Ferrer, "y eso me hace especialmente sensible al problema".
No resultaba sencillo a ZAJ trabajar juntos. "Los tres vivíamos en ciudades distintas y era complicado. Cuando nos invitaban para alguna presentación llegaba cada uno con su idea un día antes o así. Eran acciones para una persona, para dos o para tres. Por ejemplo, Especulaciones en V, que hicimos muchas veces, es para tres. El secreto, de Juan, si se podía hacer con seis personas se hacía, pero si no se hacía con tres", explica. "No sé qué trayectoria habría tenido yo si no me hubiera encontrado con ZAJ. De todas formas, creo que me habría encontrado con el mundo de la acción. ¿De qué manera? El hecho de que fuéramos un grupo nos facilitó un poco a todos el asunto, se tiene más coraje y se afrontan mejor las reacciones. Artísticamente, además, estábamos absolutamente en la misma onda. Entre nosotros jamás se dijo 'qué tontería' a ninguna de las ideas que trajo el otro. Nosotros nunca hemos hecho obras comunes, cada uno hacía las suyas, aunque los otros podíamos participar. Eso nos daba una libertad enorme".
Pero la libertad, en esos años, estaba muy limitada. "En la época del franquismo todo lo que hacías tenía una lectura política. Hicieras lo que hicieras. Quedarte parada mirando al público durante un minuto o más provocaba que inmediatamente la gente empezara a gritar ¡libertad! u otras cosas, como pasó en los Encuentros de Pamplona de 1972. Es decir, hay muchas maneras de hacer arte político sin pasar por ser absolutamente explícito. De todas formas, en la España de entonces o eras una cosa u otra. No se podía escapar. Más que de tus ideas políticas -a mí nadie me preguntó las mías-, dependía de tu estética. Por eso creo que no he tratado asuntos políticos específicos. Igual me pasa con el arte feminista. Nunca he hecho arte feminista. Yo soy feminista en mi vida de todos los días. Y supongo que todo eso destiñe en mi forma de trabajar y en lo que diga. No impide que en un momento tenga una idea que me interesa y que puede interpretarse como arte feminista".
El hecho de vivir desde hace más de tres décadas en Francia también cuenta. Y contó desde antes. "Creo que la situación en la que vivíamos, con esa dictadura y con ese ansia de libertad, nos empujaba a buscar cosas nuevas. Viviendo a 20 kilómetros de la frontera, pues mis amigas y yo pasábamos mucho a Francia a comprar libros y revistas, ver películas en Hendaya. Lo que pasa es que, como aquella España era un desierto cultural, todo nos interesaba. Mi hermana (gemela) Matilde y yo nos íbamos a todas las conferencias. Aunque hablaran de las hormigas o de lo que fuera. No había nada que hacer en ese pueblo. Yo ya había vivido en París, a finales de los cincuenta, principios de los sesenta. Vine a estudiar y no estudié. Pero sí aprendí mucho. Vi infinidad de exposiciones, muchísimo cine, teatro. Era una época en la que todo nos interesaba".
Vivía el mundo del arte y hacía dibujos, aunque sin grandes pretensiones. "A Oteiza lo conocíamos muchísimo. Nos recibía en la casa que tenía al lado de la frontera. Era encantador con nosotros, de una gran generosidad intelectual. Nos aguantaba y nos reíamos mucho con él porque era divertidísimo, genial, con una rapidez mental asombrosa", relata. Además de Cage y Duchamp, Ferrer cita otras influencias en su trabajo. "Una de las filosofías que ha contado mucho en mi vida, a pesar de que soy completamente agnóstica, es la de Lao Tsé, el taoísmo. Me interesa también mucho la estructura del universo, la astronomía, las matemáticas", apunta.
"Veo mi paso del mundo de la plástica al de la performance como una continuidad. Proviene de la mentalidad más abierta que ya habíamos cultivado algunos en esa época. En realidad, la performance es un híbrido, y que dure... Es un hijo natural, nadie sabe quiénes son su padre y su madre, aunque muchos lo reivindican".
Para ella, es un arte abierto y por eso ha preferido con frecuencia realizarlo en la calle. "No es que me guste más la calle, pero creo que no se debe excluir como escenario de las acciones", dice. "La performance es como los vagabundos sin domicilio fijo. Me gusta esa idea y en muchas ocasiones he realizado acciones en cualquier sitio de la ciudad. Lo que no quiero es limitarlas a un lugar, como las galerías o los museos. Es un arte nómada. Luego el único juicio es el mío. Yo sé si funciona o no. Lo que el público piense es irrelevante, me tiene sin cuidado. Lo mismo sucede con las obras de arte. El artista dice: 'Es así', y basta. ¿No les gusta? Me da igual. Yo no lo voy a cambiar. Es la única manera que tengo de funcionar".
En los últimos años ha revivido el interés por esta expresión, pero hubo una época en la que casi había desaparecido. "Es cierto, durante unos años parecíamos como los antiguos combatientes de una guerra terminada. La gente te decía: ¿pero tú haces performance? Madre mía, qué obsoleta", dice sonriendo. "La performance ha cambiado muchísimo porque la situación es completamente diferente. Ahora hay muchísima tecnología, esa idea de pobre que teníamos nosotros (o tengo yo) es diferente. Pienso también que vivimos en un mundo tan numérico, tan de abstracciones... Este arte que está en tu cuerpo, pero no en el cuerpo teatralizado, este arte de la presencia tal vez sirva a los jóvenes para afirmarse físicamente, para favorecer un cuerpo que cada vez parece más pixelizado. Esa vuelta a la presencia del cuerpo, con sus miserias, sus alegrías, sus flaquezas, su físico, puede ser importante para ellos".
Y prosigue con la reflexión. "Una de las cosas que me ha importado en mis performances es la ligereza. Esto que lo haces, desapareces y no queda nada. Queda en la memoria de los que lo han visto, si queda. Me parece maravilloso. A mí. Porque hoy hay otros artistas que luego venden el vídeo, la foto y la silla en la que se sentaron. Una vez, en Italia, me pasó eso. Me quisieron comprar la silla y la mesa que había utilizado en la performance. Dije que no podía porque me las había prestado el café de enfrente. Si se la compras al del café te va a salir más barata, dije, que si te la firmo yo. Es una broma. Yo nunca venderé los objetos que uso en las performances".
No sólo expone su propio cuerpo en las acciones, Esther Ferrer es también la figura en muchas de sus obras. Recurre al autorretrato por economía y pragmatismo antes que por vanidad o egocentrismo. Es más fácil hacer uso de uno mismo antes que depender de otro modelo. Los autorretratos han sido una constante en su trabajo. En Arco expondrá una visión resumida de su trabajo de los últimos años titulada La serie de las series, porque su forma de trabajar la lleva a realizar numerosas obras sobre un mismo tema.
"Tengo una relación muy mala con el tiempo", continúa. "No sé nunca en qué día vivo, a veces ni en qué año. Siempre he sido así. El tiempo y yo tenemos una relación extraña, desde siempre tengo la sensación de estar corriendo detrás de él. Luego, supongo que en alguna parte está la angustia de la muerte. El hecho de envejecer, el proceso de acercarme a la muerte, me preocupa. Quizá una manera de neutralizar o paralizar ese proceso es a través de la imagen. Cuando empecé a hacer obras fue con todo mi cuerpo, con mis manos, mi cabeza, mi sexo. Empecé con mi cabeza y mi sexo porque es lo más evidente, quizá lo que tiene más resonancias o connotaciones plásticas. No pensé en el proceso de envejecimiento, sino en el simple paso del tiempo. El tiempo que te atraviesa. Cuando expongo la serie de fotos que me he hecho cada cinco años, hay gente que me dice que tengo mucho valor. A mí eso no me importa nada. No me importa tener arrugas. Es que yo no sé de dónde vengo, no sé adónde voy. Es simplemente el tiempo que pasa. La forma que tengo de sacarme esa preocupación es a través de los autorretratos".
Esther Ferrer. Arco. Pabellón 6. Stand A109, de EL PAÍS. ZAJ. Colección archivo Conz. Círculo de Bellas Artes. Alcalá, 42. Madrid. Hasta el 22 de marzo.
FIETTA JARQUE 07/02/2009
http://www.elpais.com/articulo/semana/Riguroso/absurdo/elpepuculbab/20090207elpbabese_3/Tes
Esther Ferrer, premio nacional de Artes Plásticas 2008, creadora radicalmente independiente, ha dedicado más de cuatro décadas a la performance. Es la artista del stand de EL PAÍS en Arco
"La poesía debe ser seca, como la leña, para que arda bien", decía Octavio Paz. Y la dimensión poética en la obra de Esther Ferrer es así. Sobria, austera, minimalista, abstracta, ascética, dura, pero también leve, frágil, efímera, con un ligero perfume de ideas difusas que pervive en la memoria. Fuego y humo. Luego cenizas. Cenizas vanguardistas. Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) lleva más de cuatro décadas dedicada al arte de crear situaciones insólitas. Las performances, que conocen hoy un nuevo auge, se llamaban acciones o happenings en 1967, cuando ella empezó. "El término que utilizábamos, en realidad, era teatro musical", recuerda. "Para nosotros, todo lo que hacíamos era música, en el sentido cageano del término", dice, aludiendo al compositor que redefinió el silencio. "John Cage piensa que si olvidáramos todo lo que nos han enseñado que es música, toda la vida se convertiría en música".
"La 'performance' es un híbrido, un hijo natural. Nadie sabe quién es su padre y su madre, aunque muchos lo reivindican"
En su piso de París hay un gran piano que cuesta descubrir detrás de todos los cuadros embalados que esperan para ser enviados a Madrid para su exposición en el stand de EL PAÍS en Arco. "Prometimos no invadir el salón, la zona común de la casa, con nuestros trabajos (su marido, Tom Johnson, es compositor), pero estos días ha sido inevitable", admite con resignación. Es un bajo en un antiguo edificio, con un luminoso patio de carruajes empedrado. Ferrer sube las escaleras hasta su estudio con una energía y una velocidad envidiables a sus 71 años. Es delgada, fibrosa, conversadora. Las dos habitaciones donde trabaja son pequeñas y están llenas de objetos, cajas, dibujos, libros. "Tom y yo todos los años elegimos los libros que no vamos a leer más y los sacamos a la puerta para que los cojan", dice. "No me gusta tener. No me gusta poseer objetos. Me gustaría tener menos. Con tener un techo me basta. Acumulo sólo obras de arte porque no me queda más remedio. Compro pocas cosas, ni ropa, ni nada. Comprar no me produce satisfacción ni seguridad. No me aporta nada. Consumir no me va a quitar la angustia de vivir, así es que para qué lo voy a hacer".
El año pasado recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas. Un reconocimiento a la discreta y consecuente trayectoria de esta creadora de lo mínimo.
"Suelo decir que mi trabajo es un minimalismo basado en el rigor del absurdo", explica. "A mí me gusta mucho trabajar el absurdo, hacer las cosas muy simples. Cuando me pongo a pensar una performance, me paso el día quitando. No digo que sea una depuración, pero sí consiste en extraer todo lo superfluo, el adorno. No pretendo gratificar al espectador. Mi trabajo es muy seco muchas veces, más que sobrio. Y me gusta mucho el rococó y el barroco, pero para que lo hagan los otros. Incluso el expresionismo me interesa mucho como espectadora. Quiero que en lo mío todo salga de forma natural, casi solo. Como los números, 1, 2, 3? son maravillosos. No hay ningún drama. El drama, si quiere, se lo añade el que lo ve".
No debe haber resultado fácil empezar a cultivar algo tan radicalmente transgresor como las performances a mediados de los años sesenta en la España franquista. Se unió al grupo ZAJ, formado por el artista canario Juan Hidalgo, el músico italiano Walter Marchetti y algunos otros, que después dejaron el proyecto. "Por entonces yo estudiaba periodismo en Pamplona, en la universidad del Opus, de donde me echaron en 1968", recuerda. "José Antonio Sistiaga y yo habíamos creado el Taller de Libre Expresión Infantil en San Sebastián. Fue él quien me dijo que vendrían unos amigos suyos, llamados ZAJ, y que estaban buscando a una mujer para el grupo. Al final de la acción me pidieron que me uniera a ellos".
ZAJ empezó sus actividades hace 50 años, en 1959. Orientado más hacia la música de acción, instigaba la participación multidisciplinar. Desde la incorporación de Esther Ferrer, ZAJ se convierte en un trío y continúa haciendo sus acciones hasta 1996. Ese año el Museo Reina Sofía les dedicó una retrospectiva. Esta semana se acaba de inaugurar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid una exposición ZAJ de la colección de Francesco Conz.
Los escándalos y el desconcierto formaban parte de su estela. Hubo abucheos e indignación, por ejemplo, cuando se presentaron en Madrid, y el concierto anunciado consistió en una persona comiéndose una manzana en el escenario. Puro Cage. "Para hacer performance en esa época había que tener aguante. Aceptar que la gente, incluso la gente seria y cercana al arte, pensara que estábamos locos", afirma Ferrer. "Para un artista que quería ser respetable la forma de no conseguirlo era haciendo performance. A Juan y Walter, y a mí, nos importaba muy poco la imagen que dábamos o cómo podían considerarnos los otros".
En esos años realizó acciones como Íntimo e impersonal que, en una crítica a los concursos de belleza, consistía en medir su propio cuerpo o el de otras personas e ir diciendo las medidas en voz alta. Entre las más recientes está 1.863, presentada al año pasado en Madrid. La noticia de que 1.863 inmigrantes habían perdido la vida al intentar entrar en la Unión Europea, la llevó a pedir la participación de una veintena de personas que fueron contando lentamente las cifras hasta llegar a ese número. Después hubo un minuto de silencio. "Soy emigrante yo también", dice Ferrer, "y eso me hace especialmente sensible al problema".
No resultaba sencillo a ZAJ trabajar juntos. "Los tres vivíamos en ciudades distintas y era complicado. Cuando nos invitaban para alguna presentación llegaba cada uno con su idea un día antes o así. Eran acciones para una persona, para dos o para tres. Por ejemplo, Especulaciones en V, que hicimos muchas veces, es para tres. El secreto, de Juan, si se podía hacer con seis personas se hacía, pero si no se hacía con tres", explica. "No sé qué trayectoria habría tenido yo si no me hubiera encontrado con ZAJ. De todas formas, creo que me habría encontrado con el mundo de la acción. ¿De qué manera? El hecho de que fuéramos un grupo nos facilitó un poco a todos el asunto, se tiene más coraje y se afrontan mejor las reacciones. Artísticamente, además, estábamos absolutamente en la misma onda. Entre nosotros jamás se dijo 'qué tontería' a ninguna de las ideas que trajo el otro. Nosotros nunca hemos hecho obras comunes, cada uno hacía las suyas, aunque los otros podíamos participar. Eso nos daba una libertad enorme".
Pero la libertad, en esos años, estaba muy limitada. "En la época del franquismo todo lo que hacías tenía una lectura política. Hicieras lo que hicieras. Quedarte parada mirando al público durante un minuto o más provocaba que inmediatamente la gente empezara a gritar ¡libertad! u otras cosas, como pasó en los Encuentros de Pamplona de 1972. Es decir, hay muchas maneras de hacer arte político sin pasar por ser absolutamente explícito. De todas formas, en la España de entonces o eras una cosa u otra. No se podía escapar. Más que de tus ideas políticas -a mí nadie me preguntó las mías-, dependía de tu estética. Por eso creo que no he tratado asuntos políticos específicos. Igual me pasa con el arte feminista. Nunca he hecho arte feminista. Yo soy feminista en mi vida de todos los días. Y supongo que todo eso destiñe en mi forma de trabajar y en lo que diga. No impide que en un momento tenga una idea que me interesa y que puede interpretarse como arte feminista".
El hecho de vivir desde hace más de tres décadas en Francia también cuenta. Y contó desde antes. "Creo que la situación en la que vivíamos, con esa dictadura y con ese ansia de libertad, nos empujaba a buscar cosas nuevas. Viviendo a 20 kilómetros de la frontera, pues mis amigas y yo pasábamos mucho a Francia a comprar libros y revistas, ver películas en Hendaya. Lo que pasa es que, como aquella España era un desierto cultural, todo nos interesaba. Mi hermana (gemela) Matilde y yo nos íbamos a todas las conferencias. Aunque hablaran de las hormigas o de lo que fuera. No había nada que hacer en ese pueblo. Yo ya había vivido en París, a finales de los cincuenta, principios de los sesenta. Vine a estudiar y no estudié. Pero sí aprendí mucho. Vi infinidad de exposiciones, muchísimo cine, teatro. Era una época en la que todo nos interesaba".
Vivía el mundo del arte y hacía dibujos, aunque sin grandes pretensiones. "A Oteiza lo conocíamos muchísimo. Nos recibía en la casa que tenía al lado de la frontera. Era encantador con nosotros, de una gran generosidad intelectual. Nos aguantaba y nos reíamos mucho con él porque era divertidísimo, genial, con una rapidez mental asombrosa", relata. Además de Cage y Duchamp, Ferrer cita otras influencias en su trabajo. "Una de las filosofías que ha contado mucho en mi vida, a pesar de que soy completamente agnóstica, es la de Lao Tsé, el taoísmo. Me interesa también mucho la estructura del universo, la astronomía, las matemáticas", apunta.
"Veo mi paso del mundo de la plástica al de la performance como una continuidad. Proviene de la mentalidad más abierta que ya habíamos cultivado algunos en esa época. En realidad, la performance es un híbrido, y que dure... Es un hijo natural, nadie sabe quiénes son su padre y su madre, aunque muchos lo reivindican".
Para ella, es un arte abierto y por eso ha preferido con frecuencia realizarlo en la calle. "No es que me guste más la calle, pero creo que no se debe excluir como escenario de las acciones", dice. "La performance es como los vagabundos sin domicilio fijo. Me gusta esa idea y en muchas ocasiones he realizado acciones en cualquier sitio de la ciudad. Lo que no quiero es limitarlas a un lugar, como las galerías o los museos. Es un arte nómada. Luego el único juicio es el mío. Yo sé si funciona o no. Lo que el público piense es irrelevante, me tiene sin cuidado. Lo mismo sucede con las obras de arte. El artista dice: 'Es así', y basta. ¿No les gusta? Me da igual. Yo no lo voy a cambiar. Es la única manera que tengo de funcionar".
En los últimos años ha revivido el interés por esta expresión, pero hubo una época en la que casi había desaparecido. "Es cierto, durante unos años parecíamos como los antiguos combatientes de una guerra terminada. La gente te decía: ¿pero tú haces performance? Madre mía, qué obsoleta", dice sonriendo. "La performance ha cambiado muchísimo porque la situación es completamente diferente. Ahora hay muchísima tecnología, esa idea de pobre que teníamos nosotros (o tengo yo) es diferente. Pienso también que vivimos en un mundo tan numérico, tan de abstracciones... Este arte que está en tu cuerpo, pero no en el cuerpo teatralizado, este arte de la presencia tal vez sirva a los jóvenes para afirmarse físicamente, para favorecer un cuerpo que cada vez parece más pixelizado. Esa vuelta a la presencia del cuerpo, con sus miserias, sus alegrías, sus flaquezas, su físico, puede ser importante para ellos".
Y prosigue con la reflexión. "Una de las cosas que me ha importado en mis performances es la ligereza. Esto que lo haces, desapareces y no queda nada. Queda en la memoria de los que lo han visto, si queda. Me parece maravilloso. A mí. Porque hoy hay otros artistas que luego venden el vídeo, la foto y la silla en la que se sentaron. Una vez, en Italia, me pasó eso. Me quisieron comprar la silla y la mesa que había utilizado en la performance. Dije que no podía porque me las había prestado el café de enfrente. Si se la compras al del café te va a salir más barata, dije, que si te la firmo yo. Es una broma. Yo nunca venderé los objetos que uso en las performances".
No sólo expone su propio cuerpo en las acciones, Esther Ferrer es también la figura en muchas de sus obras. Recurre al autorretrato por economía y pragmatismo antes que por vanidad o egocentrismo. Es más fácil hacer uso de uno mismo antes que depender de otro modelo. Los autorretratos han sido una constante en su trabajo. En Arco expondrá una visión resumida de su trabajo de los últimos años titulada La serie de las series, porque su forma de trabajar la lleva a realizar numerosas obras sobre un mismo tema.
"Tengo una relación muy mala con el tiempo", continúa. "No sé nunca en qué día vivo, a veces ni en qué año. Siempre he sido así. El tiempo y yo tenemos una relación extraña, desde siempre tengo la sensación de estar corriendo detrás de él. Luego, supongo que en alguna parte está la angustia de la muerte. El hecho de envejecer, el proceso de acercarme a la muerte, me preocupa. Quizá una manera de neutralizar o paralizar ese proceso es a través de la imagen. Cuando empecé a hacer obras fue con todo mi cuerpo, con mis manos, mi cabeza, mi sexo. Empecé con mi cabeza y mi sexo porque es lo más evidente, quizá lo que tiene más resonancias o connotaciones plásticas. No pensé en el proceso de envejecimiento, sino en el simple paso del tiempo. El tiempo que te atraviesa. Cuando expongo la serie de fotos que me he hecho cada cinco años, hay gente que me dice que tengo mucho valor. A mí eso no me importa nada. No me importa tener arrugas. Es que yo no sé de dónde vengo, no sé adónde voy. Es simplemente el tiempo que pasa. La forma que tengo de sacarme esa preocupación es a través de los autorretratos".
Esther Ferrer. Arco. Pabellón 6. Stand A109, de EL PAÍS. ZAJ. Colección archivo Conz. Círculo de Bellas Artes. Alcalá, 42. Madrid. Hasta el 22 de marzo.
miércoles, febrero 04, 2009
Presentaciónde espacio arte y acción 2008-9
http://www.youtube.com/watch?v=FtiqcaiVibU
Gracias Eva, por la edicción del material
Gracias Eva, por la edicción del material
martes, febrero 03, 2009
WRITTEN PORTRAIT, EXPOSICIÓN DE PATTI SMITH EN ARTIUM (VITORIA)
WRITTEN PORTRAIT, EXPOSICIÓN DE PATTI SMITH EN ARTIUM (VITORIA)
Written Portrait. Patti Smith
Sala Norte, hasta el 22 de febrero
Comisariado: Laura Fernández Orgaz
Written Portrait es una producción de ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), TEA (Tenerife) y Bancaja
Más información en www.artium.org
ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, y Bancaja presentan Written Portrait. Patti Smith, la primera exposición retrospectiva de la artista norteamericana realizada en España. Aunque Patti Smith es conocida sobre todo como uno de los iconos del punk rock de los años 70, su registro creativo no se reduce sólo a la música sino que abarca también la poesía, campo en el que ha publicado varios libros, y en las artes visuales, faceta en la que se centra esta muestra. Written Portrait , que se mostrará en primavera a Tenerife Espacio de las Artes, reúne algunas de sus más significativas obras, entre fotografías, dibujos y serigrafías, al tiempo que realiza un guiño a sus trabajos literarios y musicales. ARTIUM, TEA y Bancaja publican un catálogo de la exposición, con texto de Pablo Llorca, y una selección de poemas realizada por Benjamín Prado, que aparecen en la colección Apuntes de estética ARTIUM. L! a exposición está comisariada por Laura Fernández Orgaz, quien también ha escrito un diario que narra el proceso de organización de la exposición y los diferentes encuentros celebrados con la artista. Entre las actividades organizadas con motivo de la exposición destaca el recital poético que ofrecerá Patti Smith el sábado 6 de diciembre en ARTIUM, y la proyección del premiado documental Dream of Life, con presentación a cargo de su director, Steven Sebring y de la propia artista, el viernes 5. Written Portrait está producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), Tenerife Espacio de las Artes y Bancaja.
Written Portrait. Patti Smith
Sala Norte, hasta el 22 de febrero
Comisariado: Laura Fernández Orgaz
Written Portrait es una producción de ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), TEA (Tenerife) y Bancaja
Más información en www.artium.org
ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, y Bancaja presentan Written Portrait. Patti Smith, la primera exposición retrospectiva de la artista norteamericana realizada en España. Aunque Patti Smith es conocida sobre todo como uno de los iconos del punk rock de los años 70, su registro creativo no se reduce sólo a la música sino que abarca también la poesía, campo en el que ha publicado varios libros, y en las artes visuales, faceta en la que se centra esta muestra. Written Portrait , que se mostrará en primavera a Tenerife Espacio de las Artes, reúne algunas de sus más significativas obras, entre fotografías, dibujos y serigrafías, al tiempo que realiza un guiño a sus trabajos literarios y musicales. ARTIUM, TEA y Bancaja publican un catálogo de la exposición, con texto de Pablo Llorca, y una selección de poemas realizada por Benjamín Prado, que aparecen en la colección Apuntes de estética ARTIUM. L! a exposición está comisariada por Laura Fernández Orgaz, quien también ha escrito un diario que narra el proceso de organización de la exposición y los diferentes encuentros celebrados con la artista. Entre las actividades organizadas con motivo de la exposición destaca el recital poético que ofrecerá Patti Smith el sábado 6 de diciembre en ARTIUM, y la proyección del premiado documental Dream of Life, con presentación a cargo de su director, Steven Sebring y de la propia artista, el viernes 5. Written Portrait está producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), Tenerife Espacio de las Artes y Bancaja.
Reanudada la actividad de espacio f
Estimado amig@,
Queremos recordar que el Mercado de Fuencarral no va a cerrar sus puertas tal y como anunciábamos unas semanas atrás, y que queda reanudada la actividad de espacio f. La convocatoria para exponer en espacio f durante el transcurso del 2009 continúa abierta hasta el 20 de febrero. Si ya presentaste un proyecto no es necesario que lo reenvíes. Lo tendremos en cuenta.
Esperamos tu propuesta y agradecemos la difusión de esta convocatoria.
Un afectuoso saludo.
--
espacio f
c/Fuencarral 45
Local 4 planta sótano
28004 Madrid
Queremos recordar que el Mercado de Fuencarral no va a cerrar sus puertas tal y como anunciábamos unas semanas atrás, y que queda reanudada la actividad de espacio f. La convocatoria para exponer en espacio f durante el transcurso del 2009 continúa abierta hasta el 20 de febrero. Si ya presentaste un proyecto no es necesario que lo reenvíes. Lo tendremos en cuenta.
Esperamos tu propuesta y agradecemos la difusión de esta convocatoria.
Un afectuoso saludo.
--
espacio f
c/Fuencarral 45
Local 4 planta sótano
28004 Madrid
jueves, enero 29, 2009
MADRID ABIERTO: URBAN BUDDY SCHEME. Seminario Internacional.
MADRID ABIERTO: URBAN BUDDY SCHEME. Seminario Internacional.
Lugar: La Casa Encendida
Ronda de Valencia, 2
Fecha: del 5 al 8 de febrero de 2009
Abierto al público
abierto@madridabierto.com
www.madridabierto.com
Madrid está creciendo a un ritmo sin precedentes. Las iniciativas multidisciplinares están comprometidas con procesos que formulan nuevas relaciones posibles entre la ciudad y sus habitantes, revelando al mismo tiempo capas complejas de información. Las actividades que intentan prever futuros posibles, más allá de la actual crisis de la construcción, continúan con una fuerza admirable.
Esta edición de Madrid Abierto tiene la intención de investigar las posibilidades de un trabajo de colaboración sociocultural y políticamente comprometido, así como, la forma en que dicho trabajo puede servir de catalizador para el cambio en la ciudad. Asimismo se intentará activar procesos que integren los nuevos ámbitos de conocimiento dentro de los ya existentes.
Urban Buddy Scheme está construido alrededor de las presentaciones de artistas y arquitectos involucrados en las actividades que ya existen en la ciudad. El seminario pretende mezclar esas prácticas con las de los artistas seleccionados para Madrid Abierto 2009-10. Urban Buddy Scheme está enfocado tanto para crear oportunidades de intercambio de información como de punto de encuentro social para actividades y networks.
PROGRAMA
Jueves 5 de febrero
18.00-18.15 h.
Presentación del seminario y Madrid Abierto 2009: Cecilia Andersson y Jorge Díez.
18.30-19.15 h.
Introducciones breves de los participantes invitados. Abierto al público, el cual puede aportar sus propias ideas.
19.15-21.00 h.
Presentaciones de Andrés Jaque, Basurama, Ludotek y Wunderkammer. Modera: Javier Duero.
Viernes 6 de febrero
18.00-18.45 h.
Presentaciones del Studio Kawamura-Ganjavian, Uriel Fogué, C.A.S.I.T.A. y Exprimentolimon. Modera: Luis Úrculo.
19.00-19.45 h.
Intervención de Kyong Park.
20.00-21.00 h.
Presentaciones de Apolonija Šušteršič + Meike Schalk, Alexander Gerdel y Teddy Cruz. Modera: Kyong Park.
Sábado 7 de febrero
12.00-14.30 h.
One-on-one meetings con los participantes y otros invitados, y el público asistente.
18.00-18.45 h.
Intervención de International Festival.
19.00-19.45 h.
Presentaciones de Laurence Bonvin, Susanne Bosch y Josep-Maria Martín. Modera: STEALTH.
20.00-21.00 h.
Presentaciones de Jean François Prost, Adriana Salazar y Gustavo Romano. Modera: International Festival.
Domingo 8 de febrero
18.00-18.45 h.
Intervención STEALTH.
19.00-19.45 h.
Presentaciones de Pablo Valbuena, Iñaki Larrimbe y Lisa Cheung. Modera: STEALTH.
20.00-21.00 h.
Debate con todos los participantes. Modera: Cecilia Andersson.
MADRID ABIERTO: URBAN BUDDY SCHEME. Seminario Internacional.
Lugar: La Casa Encendida
Ronda de Valencia, 2
Fecha: del 5 al 8 de febrero de 2009
Director: Jorge Díez
Comisaria: Cecilia Andersson
Coordinación: RMS La Asociación
Artistas Madrid Abierto 2009-2010: Lara Almárcegui (España), Laurence Bonvin (Suiza), Susanne Bosch (Alemania/ReinoUnido), Lisa Cheung (Reino Unido/Canadá), Teddy Cruz (EE UU), Iñaki Larrimbe (España), Josep-Maria Martín (España), Jean François Prost (Canadá), Gustavo Romano (Argentina), Apolonija Šušteršič + Meike Schalk (Alemania/Países Bajos/Eslovenia) y Pablo Valbuena (España).
Participantes invitados: Basurama (España), C.A.S.I.T.A. (España), Javier Duero (España), Exprimentolimon (España), Uriel Fogué (España), Alexander Gerdel (Venezuela), International Festival (Suecia), Andrés Jaque (España), Kawamura-Ganjavian (España), Ludotek (España), Kyong Park (EE UU), Adriana Salazar (Colombia), STEALTH.unlimited (Serbia/Países Bajos), Luis Úrculo (España), Wunderkammer (España).
Lugar: La Casa Encendida
Ronda de Valencia, 2
Fecha: del 5 al 8 de febrero de 2009
Abierto al público
abierto@madridabierto.com
www.madridabierto.com
Madrid está creciendo a un ritmo sin precedentes. Las iniciativas multidisciplinares están comprometidas con procesos que formulan nuevas relaciones posibles entre la ciudad y sus habitantes, revelando al mismo tiempo capas complejas de información. Las actividades que intentan prever futuros posibles, más allá de la actual crisis de la construcción, continúan con una fuerza admirable.
Esta edición de Madrid Abierto tiene la intención de investigar las posibilidades de un trabajo de colaboración sociocultural y políticamente comprometido, así como, la forma en que dicho trabajo puede servir de catalizador para el cambio en la ciudad. Asimismo se intentará activar procesos que integren los nuevos ámbitos de conocimiento dentro de los ya existentes.
Urban Buddy Scheme está construido alrededor de las presentaciones de artistas y arquitectos involucrados en las actividades que ya existen en la ciudad. El seminario pretende mezclar esas prácticas con las de los artistas seleccionados para Madrid Abierto 2009-10. Urban Buddy Scheme está enfocado tanto para crear oportunidades de intercambio de información como de punto de encuentro social para actividades y networks.
PROGRAMA
Jueves 5 de febrero
18.00-18.15 h.
Presentación del seminario y Madrid Abierto 2009: Cecilia Andersson y Jorge Díez.
18.30-19.15 h.
Introducciones breves de los participantes invitados. Abierto al público, el cual puede aportar sus propias ideas.
19.15-21.00 h.
Presentaciones de Andrés Jaque, Basurama, Ludotek y Wunderkammer. Modera: Javier Duero.
Viernes 6 de febrero
18.00-18.45 h.
Presentaciones del Studio Kawamura-Ganjavian, Uriel Fogué, C.A.S.I.T.A. y Exprimentolimon. Modera: Luis Úrculo.
19.00-19.45 h.
Intervención de Kyong Park.
20.00-21.00 h.
Presentaciones de Apolonija Šušteršič + Meike Schalk, Alexander Gerdel y Teddy Cruz. Modera: Kyong Park.
Sábado 7 de febrero
12.00-14.30 h.
One-on-one meetings con los participantes y otros invitados, y el público asistente.
18.00-18.45 h.
Intervención de International Festival.
19.00-19.45 h.
Presentaciones de Laurence Bonvin, Susanne Bosch y Josep-Maria Martín. Modera: STEALTH.
20.00-21.00 h.
Presentaciones de Jean François Prost, Adriana Salazar y Gustavo Romano. Modera: International Festival.
Domingo 8 de febrero
18.00-18.45 h.
Intervención STEALTH.
19.00-19.45 h.
Presentaciones de Pablo Valbuena, Iñaki Larrimbe y Lisa Cheung. Modera: STEALTH.
20.00-21.00 h.
Debate con todos los participantes. Modera: Cecilia Andersson.
MADRID ABIERTO: URBAN BUDDY SCHEME. Seminario Internacional.
Lugar: La Casa Encendida
Ronda de Valencia, 2
Fecha: del 5 al 8 de febrero de 2009
Director: Jorge Díez
Comisaria: Cecilia Andersson
Coordinación: RMS La Asociación
Artistas Madrid Abierto 2009-2010: Lara Almárcegui (España), Laurence Bonvin (Suiza), Susanne Bosch (Alemania/ReinoUnido), Lisa Cheung (Reino Unido/Canadá), Teddy Cruz (EE UU), Iñaki Larrimbe (España), Josep-Maria Martín (España), Jean François Prost (Canadá), Gustavo Romano (Argentina), Apolonija Šušteršič + Meike Schalk (Alemania/Países Bajos/Eslovenia) y Pablo Valbuena (España).
Participantes invitados: Basurama (España), C.A.S.I.T.A. (España), Javier Duero (España), Exprimentolimon (España), Uriel Fogué (España), Alexander Gerdel (Venezuela), International Festival (Suecia), Andrés Jaque (España), Kawamura-Ganjavian (España), Ludotek (España), Kyong Park (EE UU), Adriana Salazar (Colombia), STEALTH.unlimited (Serbia/Países Bajos), Luis Úrculo (España), Wunderkammer (España).
JORDI COLOMER
Del 29 de enero al 19 de abril de 2009
Actos inauguración: Jueves, 29 de enero, a las 20 h.
Exposición coproducida por el Centre d’Art la Panera, Lleida y el Jeu de Paume, París
La exposición y el catálogo han sido posibles gracias a la colaboración de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación
Con el apoyo del Institut Ramon Llull, Barcelona.
www.lapanera.cat
En muchas de sus instalaciones de video, donde la arquitectura y la ciudad contemporánea aparecen como una tela de fondo ficticia, Jordi Colomer se pregunta por la forma en que el urbanismo influye en el comportamiento humano y explora así la omnipresencia y los inconvenientes de la modernidad en el paisaje urbano.
Atento a los aspectos sociológicos, psicológicos y filosóficos, pero también a los deslices, las incongruencias o las evidencias demasiado olvidadas de lo cotidiano, Jordi Colomer nos habla con gran lucidez crítica de las nimiedades de la vida, las grandes preguntas sobre la diferencia y el malestar que la vida suscita o las relaciones entre arquitectura y ciudad.
Esta exposición otorgará mucha importancia a sus instalaciones, como Anarchitekton (2002-2004) y presentará también obras recientes: En la Pampa o la serie de fotografías Pozo Almonte.
Exposición coproducida por el Centre d’Art la Panera, Lleida y el Jeu de Paume, París.
Actos inauguración: Jueves, 29 de enero, a las 20 h.
Exposición coproducida por el Centre d’Art la Panera, Lleida y el Jeu de Paume, París
La exposición y el catálogo han sido posibles gracias a la colaboración de la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX) y del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación
Con el apoyo del Institut Ramon Llull, Barcelona.
www.lapanera.cat
En muchas de sus instalaciones de video, donde la arquitectura y la ciudad contemporánea aparecen como una tela de fondo ficticia, Jordi Colomer se pregunta por la forma en que el urbanismo influye en el comportamiento humano y explora así la omnipresencia y los inconvenientes de la modernidad en el paisaje urbano.
Atento a los aspectos sociológicos, psicológicos y filosóficos, pero también a los deslices, las incongruencias o las evidencias demasiado olvidadas de lo cotidiano, Jordi Colomer nos habla con gran lucidez crítica de las nimiedades de la vida, las grandes preguntas sobre la diferencia y el malestar que la vida suscita o las relaciones entre arquitectura y ciudad.
Esta exposición otorgará mucha importancia a sus instalaciones, como Anarchitekton (2002-2004) y presentará también obras recientes: En la Pampa o la serie de fotografías Pozo Almonte.
Exposición coproducida por el Centre d’Art la Panera, Lleida y el Jeu de Paume, París.
miércoles, enero 28, 2009
II SEMINARIO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Y EDUCACIÓN ESPECIAL.
12 Y 13 DE JUNIO DE 2009
Lugar: Centre d’Art la Panera, Lleida. Pl. de la Panera, 2. 25002 Lleida
Contacto: educaciolapanera@paeria.es / 973 262 185
Fecha límite de presentación de comunicaciones: 12 de marzo de 2009
Fecha límite de inscripción: 17 de mayo de 2009
El programa definitivo del II Seminario de Arte Contemporáneo y Educación Especial, se hará público a partir del 12 marzo de 2009.
Esta nueva edición nace a partir del proyecto “Red de intercambios entre programas de educación especial de centros de arte contemporáneo de la Euroregión Pirineos-Mediterráneo”, realizado durante los años 2008 y 2009. Esta iniciativa, impulsada por el Centre d’Art la Panera, se ha llevado a cabo conjuntamente con el CDAN (Centro de Arte y Naturaleza) de Huesca, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma y el Centre Regional d’Art Contemporain Languedoc-Roussillon de Sète, Francia.
Lugar: Centre d’Art la Panera, Lleida. Pl. de la Panera, 2. 25002 Lleida
Contacto: educaciolapanera@paeria.es / 973 262 185
Fecha límite de presentación de comunicaciones: 12 de marzo de 2009
Fecha límite de inscripción: 17 de mayo de 2009
El programa definitivo del II Seminario de Arte Contemporáneo y Educación Especial, se hará público a partir del 12 marzo de 2009.
Esta nueva edición nace a partir del proyecto “Red de intercambios entre programas de educación especial de centros de arte contemporáneo de la Euroregión Pirineos-Mediterráneo”, realizado durante los años 2008 y 2009. Esta iniciativa, impulsada por el Centre d’Art la Panera, se ha llevado a cabo conjuntamente con el CDAN (Centro de Arte y Naturaleza) de Huesca, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma y el Centre Regional d’Art Contemporain Languedoc-Roussillon de Sète, Francia.
MUSAC INAUGURA EXPOSICIONES DE KIRSTINE ROEPSTORFF, ELMGREEN & DRAGSET, Y MARINA NÚÑEZ
FECHAS: 31/01/09 – 21/06/09
ACTOS DE INAUGURACIÓN: sábado 31 de enero. Apertura al público a las 17.00 h. Mesa redonda en torno a la publicación Point d’ironie a las 20.00 h en el Salón de Actos del MUSAC. Entre las 18.00 h. y las 20.00 h: The Ground Will Make You Stumble (la tierra te hará tropezar), performance de Elmgreen & Dragset. Entrada gratuita hasta completar aforo
EXPOSICIONES:
-Kirstine Roepstorff: The Inner Sound that Kills the Outer. El sonido interior que ahoga el exterior
-Elmgreen & Dragset: Trying to Remember What We Once Wanted to Forget. Intentando recordar aquéllo que una vez quisimos olvidar
-Marina Núñez: FIN
-Proyecto Vitrinas: Point d’ironie
-Laboratorio 987: Mateo López. Deriva. 31/01/09 – 29/03/09
Toda la información: www.musac.es
(Imagen: Kirstine Roepstorff. Quiet Theatre, 2008. Instalación. Producida por U-Turn Quadrennial for Contemporary Art, Copenhague, 2008 en colaboración con MUSAC. Cortesía U-Turn Quadrennial for Contemporary Art, Copenhague)
ACTOS DE INAUGURACIÓN: sábado 31 de enero. Apertura al público a las 17.00 h. Mesa redonda en torno a la publicación Point d’ironie a las 20.00 h en el Salón de Actos del MUSAC. Entre las 18.00 h. y las 20.00 h: The Ground Will Make You Stumble (la tierra te hará tropezar), performance de Elmgreen & Dragset. Entrada gratuita hasta completar aforo
EXPOSICIONES:
-Kirstine Roepstorff: The Inner Sound that Kills the Outer. El sonido interior que ahoga el exterior
-Elmgreen & Dragset: Trying to Remember What We Once Wanted to Forget. Intentando recordar aquéllo que una vez quisimos olvidar
-Marina Núñez: FIN
-Proyecto Vitrinas: Point d’ironie
-Laboratorio 987: Mateo López. Deriva. 31/01/09 – 29/03/09
Toda la información: www.musac.es
(Imagen: Kirstine Roepstorff. Quiet Theatre, 2008. Instalación. Producida por U-Turn Quadrennial for Contemporary Art, Copenhague, 2008 en colaboración con MUSAC. Cortesía U-Turn Quadrennial for Contemporary Art, Copenhague)
miércoles, enero 21, 2009
La conferencia que Juanjo Cordero
Este video recoge la conferencia que Juanjo Cordero dio en el ces Felipe II de Aranjuez el 3 de diciembre del 2008. Juanjo expone las carencias y debilidades de nuestros sistemas democráticos, analizando otros procesos de gestión y comportamiento que ayudan a regular las dinámicas actuales. Explica de una manera muy sencilla la historia de las democracias, los procesos de globalización, la responsabilidad social de las empresas, entre otros temas, relacionándolo con la situación económica actual. Una información que todo el mundo debería conocer
RICHARD SERRA. PATHS & EDGES
Del 11 de diciembre al 17 de enero
Galería La Caja Negra
www.lacajanegra.com
La Caja Negra presenta la última serie de obra gráfica realizada por Richard Serra. A estas alturas y después de la gran exposición retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la importancia y la calidad del trabajo de Serra son incuestionables. A lo largo de toda su trayectoria, Serra ha buscado atravesar las limitaciones físicas de los medios y materiales con los que ha trabajado, y su obra gráfica da cuenta de ello. Si en una serie tan emblemática como The Arc of the Curve –que se expuso también en La Caja Negra en la primavera de 2005- el artista explotaba el tamaño y la presencia física de sus grabados, en Paths & Edges se entrega a la experimentación con la textura y la materialidad de la obra. De dimensiones más humanas, estas piezas siguen siendo monumentales. Todas representan un sector de una curva, bastante más cerrado que en series anteriores en donde los segmentos parecían casi re c! tas, que ha sido estampado con una importante carga de tinta lo que los dota de una textura escultórica. El “terminado” de la impresión, lleno de manchas y salpicaduras, remite a los procesos y materiales a los que el artista ha recurrido desde sus primeros trabajos: plomo, acero, hierro forjado, todos partícipes de una modernidad industrial que se aleja de lo leve y de lo efímero. La exposición se complementa con la revisión de algunas piezas pertenecientes a series anteriores y que en conjunto demuestran el compromiso de Serra con los soportes gráficos y la importancia del conjunto de sus propuestas.
Galería La Caja Negra
www.lacajanegra.com
La Caja Negra presenta la última serie de obra gráfica realizada por Richard Serra. A estas alturas y después de la gran exposición retrospectiva de su obra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la importancia y la calidad del trabajo de Serra son incuestionables. A lo largo de toda su trayectoria, Serra ha buscado atravesar las limitaciones físicas de los medios y materiales con los que ha trabajado, y su obra gráfica da cuenta de ello. Si en una serie tan emblemática como The Arc of the Curve –que se expuso también en La Caja Negra en la primavera de 2005- el artista explotaba el tamaño y la presencia física de sus grabados, en Paths & Edges se entrega a la experimentación con la textura y la materialidad de la obra. De dimensiones más humanas, estas piezas siguen siendo monumentales. Todas representan un sector de una curva, bastante más cerrado que en series anteriores en donde los segmentos parecían casi re c! tas, que ha sido estampado con una importante carga de tinta lo que los dota de una textura escultórica. El “terminado” de la impresión, lleno de manchas y salpicaduras, remite a los procesos y materiales a los que el artista ha recurrido desde sus primeros trabajos: plomo, acero, hierro forjado, todos partícipes de una modernidad industrial que se aleja de lo leve y de lo efímero. La exposición se complementa con la revisión de algunas piezas pertenecientes a series anteriores y que en conjunto demuestran el compromiso de Serra con los soportes gráficos y la importancia del conjunto de sus propuestas.
Exposición de Juan Zamora en Moriarty
Exposición de Juan Zamora en Moriarty
en la c/ libertad nº22 metro Chueca.
Cuando aire y nubes
Las piezas presentadas se articulan, formal y conceptualmente, a partir del doble sentido de un
mismo dibujo: Una nube con forma de cerebro; un cerebro con forma de nube. Desde este se ha
trazado una instalación cíclica que parte del ánima del dibujo primario en pequeños cuadernos.
El recorrido comienza con la pieza nube-cerebro, una animación pobre de ocho horas de duración:
En un espacio oscuro aislado del resto, una delgada vela de 1 ́10 cm. de longitud situada
verticalmente sobre el suelo mantiene su llama débilmente encendida. La luz que emite proyecta la
sombra de una nube (un dibujo recortado) suspendida del techo sobre la pared, dentro de la cabeza
de un personaje dibujado sobre esta. Nuestro movimiento y respiración hacen vibrar la llama,
animando el “dibujo” que proyecta. Un soplo lo apagaría. Conforme la vela se consume y disminuye
de tamaño, la sombra proyectada asciende muy lentamente hasta salir de la cabeza.
En otra sala, una línea continua dibujada sobre las paredes (a carboncillo y ligeramente por debajo
de la altura de los ojos) actúa como línea del horizonte, dividiendo la superficie bidimensional de la
pared en cielo (arriba) y tierra (abajo), conformando un espacio de representación en el se
relacionan los entornos, situaciones y personajes idiotas1 extraídos de los cuadernos.
Dibujos y Sombras animadas, con o sin ánima, se sostienen sobre y bajo esta línea:
Proyección de árbol: La sombra animada de un árbol que se balancea suave y rítmicamente
proyectada sobre la tierra, bajo el dibujo real y estático del mismo árbol dibujado sobre la línea. En
sus ramas y alrededores, algunos animaliyos2 emiten sonidos guturales con carácter musical.
En las paredes sin horizonte dibujado se han colocado los cinco cuadernos originarios de las piezas,
cuyas páginas abiertas han sido intervenidas (de varias formas) con dibujos animados:
Tocándose el cerebro: Sobre un paisaje dibujado se proyecta (con un pequeño proyector adherido a
la pared) un ser que, con la mano metida en su cabeza, se toca el cerebro y habla.
Punto en la cabeza: En el cerebro de otro animaliyo, un punto vibra sobre fondo negro. Se trata de
la grabación de una estrella real, reubicada en la pantalla de un monitor escondido tras de la página.
Spaghetti Monster: Un personaje se tira al agua, en cuyo denso fondo adivinamos un monstruito
tentacular que se balancea y gime por momentos, en otro en un monitor que se transparenta.
Soplo: Dos dibujos proyectados cada uno sobre un cuaderno. En el primero un personaje inspirando
y espirando. En el segundo, situado a 150 cm a su derecha, el pelo de otro animaliyo se mueve cada
vez que el primero espira. El soplo irreal, el aire imaginado, recorre esa distancia en 2 segundos,
tiempo en el que se desplaza por el espacio entre ambos a una velocidad de 50 cm por segundo.
Para cerrar el recorrido, se han creado cien taumatropos con la misma imagen base en todos ellos: El
retrato de un personaje que mira hacia su propio cerebro. Y en cada cerebro, en cada taumatropo, se
ha ubicado un pájaro distinto cuyas alas se animan al accionar el aparato, haciéndole volar dentro de
la cabeza; y cada pájaro ha sido puesto en el cielo de la sala sobrevolando las escena .
1. Según Clement Rosset, se refiere a idiota en el sentido intimo de la palabra; solo existe y se presenta tal como es.
Léase Lo real. Tratado de la idiotez. Ed. pre-textos.Valencia 2004.
2. Los Animaliyos son personajes extraídos de los cuadernos; dibujos animados de trazo espontáneo que emiten
sonidos guturales grabados con mi propia voz.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)